Культура

2 января 2022 года, в Палаццо Питти (Галерея Уффици, Флоренция), в четырех только что отреставрированных больших залах с фресками XVII века открылась постоянная экспозиция «Музей русских икон». Впервые здесь представлена уникальная историческая коллекция из 78 русских икон, которая сформировалась на   протяжении почти двух столетий . В течение XVIII и XIX веков  её собирали представители правящих династий Флоренции: сначала Медичи, затем Лорена. Предположительно, иконы вместе с другими товарами на территорию нынешней Италии завозили русские купцы, которые прибывали на кораблях в Ливорно, бывшим тогда основным портовым городом. Возможно, именно по этой причине, все иконы имеют малые или средние размеры, а это значит, что они предназначались для домового и семейного обихода, их брали с собой в путешествия. Однако нельзя исключить и того, что отдельные иконы были подарены правителям Тосканы представителями русского правящего класса, учитывая растущие в тот период торговые и культурные связи между Россией и Италией. Речь идет о хронологически самой ранней коллекции русской, украинской и белорусской иконописи за пределами России. Долгое время это ценнейшее собрание оставалось частным достоянием великих герцогов Тосканы. Только однажды, в конце XVIII века на короткое время иконы были выставлены в залах Галереи Уффици в качестве образцов византийского искусства. Древнейшие русские иконы, представленные в музее Уффици созданы в XVI–XVII веках и восходят к изографам Оружейной палаты Московского Кремля, а более поздние по времени, когда царский двор переместился из Москвы в Петербург, принадлежат провинциальным мастерам из Костромы, Ярославля и других волжских городов, которые писали их по московским образцам.  Этикетаж экспонатов выполнен не только на итальянском и английском языках, но и «на кириллице». Виртуальная выставка, названная La Luce del Sacro: Icone russe a Palazzo Pitti, также доступна на сайте Галереи Уффици.  

Выставка в Риме «Мрамор Торлонии. Собрание шедевров»   После многократных отсрочек, вызванных пандемией, 14 октября 2020 года в Риме, в новом выставочном центре Капитолийских музеев, Вилле Каффарелли,  (Piazza del Campidoglio) открылась выставка «Мрамор Торлонии. Собрание шедевров» (I Marmi Torlonia. Collezionare capolavori). Открытие выставки стало возможным после длительных переговоров, приведших к соглашению между Министерством культурного наследия, деятельности и туризма Италии с Фондом Торлония. Научный проект по изучению и пополнению коллекции осуществил итальянский археолог и историк искусства Сальваторе Сеттис, спонсором проекта выступил ювелирный дом Bulgari, не в первый раз участвующий в проектах по восстановлению художественных и археологических сокровищниц Рима. Для выставки были отобраны 92 произведения (статуи, саркофаги, бюсты, барельефы, элементы декора) из 620 мраморных изделий, внесённых в каталог коллекции семьи Торлония. За богатство и качество входящих в неё произведений, коллекция признана одной из самых важных и значимых для мировой истории искусства, реставрации, музеографии, археологических исследований, не уступающей коллекциям музеев Капитолия, Ватикана, а также международным коллекциям классической скульптуры Лувра, Британского музея и Глиптотек Мюнхена и Копенгагена. Выставка организована в форме повествования, разделенного на пять глав, в которых представлена вся история сбора древнеримского и греческого мрамора. Путешествие начинается с рассказа о музее Торлонии, основанного в 1875 году принцем Алессандро Торлония в помещении старого зернохранилища, в районе Трастевере, в Риме, который оставался открытым до 1940-х годов и на протяжении долгого времени недоступным широкой публике. Каждый зал выставки, с представленными экспонатами  — часть исторического периода: экспонаты, обнаруженные в ходе раскопок XIX века на землях семьи Торлония недалеко от Рима, в Сабине и в районе Витербо, а также приобретения семьи Торлония. Несомненно, самыми привлекательными экспонатами выставки являются: рельеф III века со следами цветного пигмента — одна из самых редких в мире находок, выполненных в такой технике, а также статуя, восстановленная в XVII веке мастером искусства барокко Джан Лоренцо Бернини. Предполагается, что проект не закончится данной выставкой. При благоприятных обстоятельствах, коллекция Торлонии отправится в путешествие по всему миру, в частности, уже существуют договорённости с Британским музеем Лондона и музеем Гетти Лос-Анджелеса. В конце этого «тура» в Риме будет определена постоянная выставочная площадка, где будет открыт новый музей Торлонии. Выставку «Мрамор Торлонии. Собрание Шедевров» можно будет посетить до 29 июня 2021 года.  

Сиенский собор Всего полтора месяца с 17 августа до 7 октября 2020 года можно полюбоваться самым большим и самым великолепным мозаичным произведением находящимся в Италии — полом центрального собора города Сиена (Duomo di Siena). На этот период он будет освобожден от закрывающего его покрытия, которое служит для защиты от возможных повреждений. Ограниченное открытие связано с тем, что результат 500-летней работы мастеров, занимающий большую часть площади пола собора в 1300 квадратных метров, столь же хрупок, как и прекрасен.   Уникальный мозаичный шедевр выполнен в технике, позднее получившей название «Commesso Fiorentino», стал результатом сложной иконографической работы и представляет собой уникальную коллекцию из 56 отдельных произведений. Внутренний интерьер собора Работа, начавшаяся в четырнадцатом веке и продолжавшаяся до девятнадцатого века — заслуга многих известных художников того времени, таких как Доменико ди Бартоло (Domenico di Bartolo), Маттео ди Джованни (Matteo di Giovanni), Доменико Бекафуми (Domenico Beccafumi) и Пинтуриккьо (Pinturicchio). Открытие «мраморного ковра» обычно проходит после знаменитой конной гонки Palio di Siena, важнейшего праздника города, не состоявшегося в этот год из-за чрезвычайной ситуации с короновирусом. Деталь пола Сиенского собора Мозаичный пол в соборе Сиены Мозаичный пол в соборе Сиены 2

Лене Тун за работой Невозможно остаться равнодушным к магии тепла, которые излучают предметы, напоминающие о детстве, в то же время являющиеся носителем семейных ремесленных традиций. Эти слова можно полностью отнести к милым керамическим сувенирам, производимым из поколения в поколение под маркой Тун (THUN). Сегодня фигурка ангела с сомкнутыми глазками является общепризнанным символом автономного региона Трентино-Альто-Адидже и, в частности, города Больцано — любима итальянцами и коллекционерами во многих странах. Спящий ангел История успеха известной на весь мир компании начиналась с малого. У её истоков стояла молодая художница по имени Лене, которая с детства любила рисовать и лепить из глины. Фундаментальное и волшебное событие в личной и профессиональной жизни Лене происходит со встречей графа Отмара Тун — своего будущего супруга. Между ними сразу возникают сильные чувства, их объединяет любовь к искусству и ремеслу. Так, в 1950 году, в подвалах семейного замка Клебенштайн (Schloss Klebenstein), расположенного в северной части Больцано, супруги, вместе с двумя умельцами по работе с глиной, создали мастерскую-ателье, которую назвали Officine Ceramiche Thun. Мастерская предполагала производить небольшой ассортимент керамических предметов домашнего обихода и плитки для облицовки печей. Обработка по модели Лене продолжала лепить различные статуэтки с присущими ей мастерством и фантазией, а после рождения двух сыновей, в её творчестве появляется новый стиль. Особенно милыми получались фигурки с личиками малышей со взглядом сомкнутых глаз, глядя на которые, в голову приходило только одно слово — ангелы. Вдохновлённая образом своих спящих детей, Лене создала фигурки с мягкими объемными формами и милым, мечтательным выражением лица. Идею поддержал муж и их начали выпускать для продажи. Статуэтки покупали так охотно, что вскоре они составили основу в производстве, став, со временем, своеобразной визитной карточкой ремесленной мастерской, переросшей в настоящую торговую марку с мировой известностью. Этот сувенир завоевал сердца туристов настолько, что получил от них собственное имя – Оригинальный Ангел Больцано. В последующие годы творческая мастерская Тун продолжала создавать уникальные коллекции, способные дарить эмоции: идеи для подарков, предметы домашнего обихода, женские и детские аксессуары. Сегодня, как и тогда, слоган мастеров THUN — «Дарить радость себе и другим» полностью воплощен в изделиях, где живёт любовь, вложенная в них руками мастеров. работa художникa-декораторa Стиль Тун, на первый взгляд, примитивен, но достижение этой простоты является плодом работы многих профессионалов. Для создания изделий компания Тун использует глину высшего качества, специфичную для каждого продукта и обработанную в соответствии с накопленными знаниями и исследованиями. Создание любого керамического предмета начинается, прежде всего, с концепции, с идеи, со строгим учетом того, что каждая новинка должна соответствовать традициям и истории бренда. Для каждой новой фигурки готовится гипсовая «материнская» форма, в которую после предварительного нагрева наливают шликер (глину, разведенную водой до состояния густых сливок). Оригинальный Ангел Больцано После того, как глина залита в форму её оставляют на 14—16 часов для просушки, чтобы избежать образования трещин. Фигурку, с достаточно твёрдой, но эластичной структурой, освобождают от формы, проверяют на возможные дефекты. Затем переходят к чистовой обработке профилей и последующему шлифованию с помощью натуральной губки. Используя эту технологию, мастера фабрики добиваются выхода фигурок с удивительно гладкой поверхностью, на ощупь сопоставимой с кожей. После тщательного контроля, следует фаза обжига, которая длится целый день при температуре 1040 градусов. Самую деликатную работу в создании фигурки выполняют художники-декораторы, которые сначала наносят базовую поверхность, а затем красками придают экземпляру уникальный образ, воплощая в жизнь замысел, который  до сих пор вынашивался в их воображении. После нанесения нескольких штрихов золотой и серебряной краской Оригинальный ангел Больцано оживает. Остаётся только окунуть его в состав для закрепления красок, чтобы он долгое время мог радовать всех, невзирая на возраст. Посуда Тун Компания расширяется год от года. Ассортимент её продукции постоянно обновляется. На ряду с неизменными глиняными фигурками мило спящих малышей, выпускается большое количество разнообразных изделий: ожерелий, колец, браслетов, брошей, аксессуаров для дома и  мебели, фарфоровой посуды, свадебных бонбоньерок, коллекционной продукции, майоликовой плитки для облицовки печей, текстиль, мягкие игрушки и многое другое. Рядом с главным офисом фирмы, находится  Thumuniversum — огромный магазин, в котором посетители попадают в сказочный мир магии Thun, откуда не возможно уйти с пустыми руками. Статуэтка ангела из Больцано, благодаря невидимому заботливому взгляду полному любви, до сих пор остается одним из самых узнаваемых и востребованных подарков в мире.    

С 27 ноября 2019 по 23 февраля 2020 в музее Мультимедиа Арт, Москва (МАММ) проходит первая в России ретроспективная выставка итальянского художника Лучо Фонтаны (Lucio Fontana). Посетителям музея будет представлен проект «Concetto spaziale», созданный в сотрудничестве с Фондом Лучо Фонтаны. Экспозиция, в которую вошли 62 работы художника, представлена из собраний итальянских музеев и частных коллекций: Национальной галереи современного искусства, Рим; Городской галереи современного искусства, Турин; Городского музея Флоренции — Музея Новеченто, Музея Новеченто города Милана; Галереи Карстена Греве, Санкт-Мориц; Коллекции Прада; Коллекции банка Интеза Санпаоло; Архива Уго Муласа, Милан — Галереи Лиа Румма, Милан/Неаполь. Выставка представляет посетителям возможность познакомиться с многообразием работ художника: от первых экспериментальных скульптур 30-х и 40-х годов, вплоть до зрелых произведений периода 50-х и 60-х годов, которые являются частью знаменитых циклов «Tagli» и «Fine di Dio». Лучо Фонтана — итальянский художник, керамист, скульптор, абстракционист и новатор. Самыми характерными для Фонтана произведениями стали картины с прорезями и разрывами, которые принесли ему широкую известность. Его творчество часто сравнивают с работами русского художника авангардиста Казимира Малевича: картины обоих преобразованы не традиционным радикальным способом. Выставка дает возможность проследить эволюцию творчества художника от фигуративных работ к абстракциям, разрушающим традиционное представление о картине.

Трудно представить традиционную итальянскую кухню без применения медной посуды. Ей пользуются как обычные домохозяйки, так и шеф-повара самых знаменитых ресторанов. История появления утвари из меди берет начало с незапамятных времён и уходит корнями во II век до н.э. Обработка недрагоценных металлов, присутствующих на территории Италии известна со времен нурагической цивилизации (о. Сардиния), достигнувшей довольно высокого уровня в металлургии. Вероятно, умение изготавливать медную посуду было введено кочевниками, которые распространили свои познания в ковке и приданию формы изделиям по всей территории Италии. Сегодня искусство работы с медью продолжает оставаться одним из красивейших и востребованных ремёсел Италии. Важнейшими центрами по производству изделий ручной работы из меди являются регионы: Сардиния, Марке, Абруццио. В провинции Асколи (Ascoli, Marche), в небольшом городке Форче (Force), у медного ремесла есть своя древняя традиция. В шестнадцатом веке здесь был основан один из крупнейших ремесленных центров, история которого бережно сохраняется и живёт в работах современных медников. В соседнем регионе Абруццио (Abbruzzo) говорят, что местные мастера рождаются и мужают среди меди. В городке Альтино (Altino) это не легкое ремесло из поколения в поколение продолжает Миклеле Петитти (Michele Petitti). Его отец был медником, как его дедушка, который, в свою очередь, перенял навыки работы у своего деда и, таким образом, семья является символом многовековой истории мастерства работы с медью и изготовления посуды из неё. На острове Сардения повсеместно распространена профессия медника. Особенно трепетно традицию сохраняют в южной части острова, а именно, в городке Исили (Isili). Медники Исили славились своим умением производить кухонную посуду и принадлежности с давних времён. Их работы повсеместно украшали стены домов и являлись признаком хорошего вкуса и благосостояния семьи. Современным представителем ремесла является Луиджи Пицалис (Luigi Pitzalis), продолжающий историю ремесла с 1400-х годов. Изделия, выходящие из рук медника, уникальны: каждый предмет изготовлен вручную и сделан с максимальным вниманием к деталям. Работа над изделием занимает много времени, но в результате получается продукт, который служит десятилетиями. «Железо горячее, а медь холодная», — говорят мастера, указывая на то, что медная пластина моделируется почти вручную. Ремесленник кончиками пальцев чувствует толщину тончайшей стенки будущего изделия. Медь легко поддается спайке и поэтому незаменима при производстве глубоких ёмкостей. Процесс создания и формирования изделия начинается с обжига в кузнице при температуре от 500 до 800 ° C, охлаждения и фазы первого горячего изгиба вручную при температуре 280 — 300 ° С. Очень  важно, чтобы во всем процессе происходило то изменение тепла, которое необходимо для того, чтобы изделие стало практически вечным. Эта фаза длится от двух до четырех и более часов, что зависит от формы и размера изделия. Итальянские ремесленники обрабатывают медь в соответствии с древней традицией, используя типичные наковальни. После того, как форма создана, перед лужением, с помощью заклёпывания медных болтов, заклепок, закрепляются скобы или ручки. Затем идёт стадия окисления, промывки и ручной полировки, что служит улучшению естественного цвета меди. Медник должен обладать навыками не только кузнеца, но и художника и опытного гравёра для создания тех декоративных композиций, которые предают изделию особую привлекательность. Традиционный рисунок или орнамент наносится только вручную. Инструменты для работы с медью являются строго индивидуальными для каждой мастерской и передаются из поколения в поколение. Их набор довольно внушителен и, зачастую, создан начинателем династии. Большинство молотков медника сделаны из оливкового дерева, так как они очень долговечны и отлично подходят для работы по меди.  Мастерская заполнена множеством металлических инструментов: для ковки, нарезки, гравировки. Только здесь можно увидеть уникальный инструмент чиовьера, необходимый для измерения размера болтов. В последние годы медное ремесло пережило кризисные моменты, но производство смогло отреагировать эффективными инициативами, предложив традиционное искусство также как оригинальный предмет декора, намного расширив ассортимент, что дало новый уровень развивая художественному промыслу. Благодаря уникальным характеристикам, присущим только посуде из меди, и несмотря на высокую стоимость, она востребована и интерес к ней увеличивается с каждым годом. Некоторые работы ремесленников как прошлого, так и настоящего являются подлинными  произведениями искусства и, по понятной причине, они находят своё место в этнографических музеях различных регионах Италии;  они являются ярким примером трудолюбия и мастерства, где стирается граница между ремесленным и художественным производством, прославляя натруженные руки медников по всему миру.

Маска (итал. maschera), пришедшая в Италию с востока, в переводе с арабского «mascharà» означает насмешка, издёвка.   С незапамятных времен маски являлись одним из характерных и незаменимых элементов для скрытия человеческого лица в ходе религиозных церемоний. Принято считать, что история венецианской маски берет начало с 1268 года, после выхода закона с правилами и ограничениями её использования. Когда в 1296 году Сенатом Республики (Serenissima Repubblica) Венецианский карнавал был объявлен праздником перед Великим постом, началось массовое изготовление масок.   Начиная с Xlll века, история производства карнавальных масок начинает официально документироваться. Также в этот период появляются первые инструменты для обработки глины, папье-маше, гипса и марли. Ремесло переходит на новый художественный уровень развития. Создаются творческие маски с рисунками, вышивкой, бисером, тканями, лентами, кружевом, перьями.   Мастера, делавшие маски, назывались «maschereri» и с 1436 года им был присвоен статус живописцев. Потребность в масках была настолько велика, что их начали производить «в черном» секторе. Производство стало таким интенсивным, что к 1773 году в Венеции насчитывалось 12 официальных магазинов для их продажи. В городе зарождается и  развивается настоящая индустрия карнавала.   Маски в Венеции были настолько популярны, что к середине XVI века в моду входят маскированные театральные представления, сначала в частных домах, а затем и в больших театрах. Они имели огромный успех, способствуя развитию истинно профессионального сектора и созданию  известных на весь мир именных масок итальянской комедии Дель Арте (commedia dell’arte) — комедия масок: Арлекин, Коломбина, Педролино, Пульчинелла, Пьеро, Бригелла, Дзанни и другие персонажи, каждая из которых отличалась определенным характером и стилем.   Современные мастера бережно сохраняют древнее искусство. Высокохудожественные маски изготавливаются вручную из папье-маше, в соответствии со старой традицией. Техника работ с годами не поменялась, но современные художники, используя опыт прошлого, добавляют в их производство собственный талант и новые знания. Мастер «maschereri» обладает художественными навыками скульптора, художника, стилиста. Для создания новой модели венецианской маски, в первую очередь, изготавливается глиняная модель. Это самая творческая часть работы, которая может длиться от нескольких часов до нескольких недель. На практике для каждой маски создаётся индивидуальная форма.   Затем скульптура обливается слоем разведённого с водой алебастрового порошка. Примерно через 90 минут, после полного высыхания, с большой осторожность, отделяют полученную гипсовую маску. Следующим шагом является создание своего рода «кашицы». Её приготавливают из замоченных в горячей воде мелких кусочков бумаги, которые перетирают в ступке до однородного состояния (отсюда и название «cartapesta»). После этого в смесь добавляют клей или клейстер, получая идеальный материал для будущей маски. Чтобы ускорить этот трудоёмкий процесс, современные ремесленники применяют блендер.   Теперь гипсовую маску смазывают вазелином и наполняют приготовленной массой (папье-маше). Пальцы мастера являются единственным действительно подходящим инструментом для этой работы, особенно если модель сложная.   Как только «кашица» полностью высохнет (это может занять более 24 часов), мастер извлекает маску из гипсовой формы. Эта техника является результатом многовекового опыта, которая позволяет получить идеально гладкие маски без «морщин», отлично подходящие для самых утончённых работ.   Теперь в маске вырезают место для глаз и подготавливают для последующей раскраски и декора. Для этого на лицевую сторону наносится слой белой акриловой темперы.  После её полного высыхания приступают к оформлению маски. Это медленный и кропотливый процесс, с использованием многочисленных материалов и разновидных техник. На данном этапе творчеству мастера нет границ и всё зависит только от его фантазии.   В Венеции по сей день над созданием масок трудятся многочисленные мастера высочайшего уровня. Сохраняя древнее искусство, они вносят вклад в процветание ремёсла, приносящего радость людям и мировую известность стране.   К сожалению, в Венеции нет ни одного музея, представляющего данное ремесло, но каждый художник, создающий маски для продажи, имеет свою мастерскую (La Bauta, Atelier Marega, Ca’ Macana, Ca’ del Sol, Fratelli Sergio e Massimo Boldrin, La Bottega dei Mascareri и др.), куда всегда можно заглянуть и получить море эмоций.   Стоимость маски ручной работы, выполненной по многовековой традиции венецианского карнавала и подтверждённой сертификатом гарантии качества и происхождения, может превышать тысячу евро.   Венецианская маска — это путешествие во времени, начавшееся с XIII века до наши дней, от примитивных до самых современных техник и художественных достижений — это искусство, являющееся неотъемлемой частью Венеции, полное традиций великолепия Венецианского карнавала!    

Губбио (Gubbio) — коммуна в Италии, расположенная в провинции Перуджа (Perugia), в регионе Умбрия (Umbria), где до наших дней сохранилась уникальная техника производства чёрной керамики — буккеро. Происхождение этого типа керамики очень древнее и относится к этрусской эпохе. Буккеро (bucchero) происходит от португальского слова «bucaro», что означает «благоухающая земля» — вид полностью чёрной, глянцевой с внешней стороны керамики. Этруски изготовляли изделия из чёрной керамики для повседневного обихода, но дошедшие до нас древние артефакты, поражают мастерством создавших их рук. В середине VII века до н. э. мастерились разнообразные сосуды, названные «Bucchero sottile». Они отличались тонкостью стенок и высеченным рисунком с геометрическими элементами, с изображениями реальных и фантастических животных, воинов, колесниц. В начале V в. до н. э. появилась посуда со своеобразными формами, отяжелённая сложными рельефными орнаментами — «Bucchero pesante». В 1444 году в некрополе храма Юпитера, при проведении археологических раскопок, были найдены Игувинские таблицы (III-I вв. до н..), написанные на смеси этрусского и умбрского языков, что свидетельствует об общих корнях племен, занимавших территорию современной Умбрии. От этрусков здешние ремесленники переняли многое, в том числе знание техники изготовления керамики.   В конце XIV начале XV века ремесло керамистов сформировалось в четырёх крупных центрах Умбрии: Дерута (Deruta), Гуальдо-Тадино (Gualdo Tadino), Орвието (Orvieto), Губбио. Техника производства буккеро наделала много путаницы, настолько, что в известной книге Эмилио Камерини (Emilio Camerini) описано 6 возможных методов. В начале 900-х годов, уроженец здешних мест, маркиз Полидоро Бенведути (Polidoro Benveduti) заново воспроизвёл древнюю технику изготовления чёрной керамики, и теперь можно сказать, что Губбио по праву является итальянской столицей буккеро.   Древнее искусство, к счастью, не было потеряно, что даёт возможность восхищаться им сегодня. Чтобы не утратить оригинальность продукта, местные ремесленники решили строго следовать классическому процессу производства буккеро. В Губбио, по сей день, прослеживается сильная связь с традициями прошлого, и мастера стремятся максимально защитить это наследие, сохранив ценное ремесло для региона Умбрии и всей Италии.   Буккеро — уникальный продукт, создаваемый мастерами керамики из мелкозернистой глины редкой чистоты, обогащенной оксидом железа. Техника буккеро позволяет придавать изделиям черный цвет и красивый глянец. Изделия, созданные с её применением, элегантны, имеют изящную форму и уникальную поверхность, что в сочетании с украшением золотом и платиной делает их истинными произведениями искусства.   Для воспроизведения формы будущего сосуда используется гончарный круг и специальные штампы. После чего мастер тщательно обрабатывает поверхность изделия деревянной планкой из самшита, затем наждачной бумагой. Чтобы предать объекту более привлекательный вид, на его поверхность наносится рисунок с помощью металического наконечника, наполненного жидким золотом. Далее форма помещается в специальную, герметично закрытую печь; обжиг осуществляется при температуре достигающей 900 ° в течение 12 часов. Сгорающий уголь производит дым, который при высокой температуре проникает в пористую структуру керамики и окрашивает её в чёрный цвет. Под воздействием температуры глина переходит в стеклообразное состояние, получается очень твёрдой и гладкой, похожей на металл. После охлаждения продукт очищается и окончательно  полируется мягкими тканями.   Керамика, произведённая в технике буккеро, и сегодня является жемчужиной Губбио. Мастера создают предметы домашнего убранства: кувшины, вазы, амфоры, базы для настольных ламп, словом всё то, что можно добавить в интерьер дома, придав ему изысканный уют. Эти работы выполнены как точные копии этрусских моделей, так и с элементами современного дизайна.     В самом сердце Губбио располагается «La Fornace del Bucchero» – ремесленная мастерская, с 1825 года производящая изделия высокого художественного уровня в этрусском стиле, а в исторической лаборатории Антонио Росси (Antonio Rossi), передавая мастерство искусства из поколения в поколение, в старой печи создаются детали и готовые изделия в технике буккеро изысканного современного дизайна. В Муниципальном музее, занимающем здание Palazzo dei Consoli, есть раздел, посвященный исключительно производству керамики буккеро в Губбио. Представленная экспозиция рассказывает историю развития мастерства.

Сутрио (Sutrio) — коммуна в регионе Фриули-Венеция-Джулия, в провинции Удине. Аутентичная деревня (borgo) Сутрио расположена на высоте 570 м на территории Карния (Carnia) – старинной и свободолюбивой области в Альпах, бережно хранящей свою историю и традиции. Вот уже более двух тысячелетий здесь живёт гордый народ, по сей день соблюдающий горские обычаи, известный на весь мир своими мастерами в обработке и резьбе по дереву.   Многовековая традиция издавна прославила эти места: умелые плотники и резчики по дереву передают наследие из поколения в поколение, сохраняя  способность создавать из простого сырья настоящие произведения искусства.   Карнию называют «pais di marangons» , что означает страна плотников, а очаровательную деревушку Сутрио — столицей деревянного искусства Италии. Традиция ремесла в Сутрио имеет глубокие корни. В высокогорной части Италии зима довольно продолжительна и, учитывая неэффективность сельского хозяйства, продиктованную климатическими невзгодами и изобилие лесов, мужская часть населения посвятила себя мастерству создания мебели, домашней утвари, скульптур и барельефов и уникальных произведений из дерева.     Сначала 700-х годов изделия из мастерских Сутрио украшали дома венецианских и удианских дворян, дворцы и церкви . К середине XVIII века в долине Горто (Canale di Gorto), насчитывалось девять лесопильных заводов и множество мастерских, в стенах которых создавались уникальные декоративные гравюры и аксессуары для мебели, в которых, порой, стиралась граница между искусством и мастерством. Пришедшие из Сауриса драгоценные артефакты: знаменитые деревянные туфли (zoccoli) и карнавальные маски, выполненные ремесленниками из дерева клена и ольхи, по сей день поражают мастерством.   Произведения здешних ремесленников отличаются точностью и вниманием к деталям, искусным дизайном и мастерством исполнения. Ярким примером этого является Пресепио ди Тено (Presepio di Teno), в создание которого Гауденцио Страулино (Gaudenzio Straulino) — мастер из Сутрио, вложил 30 лет (1805-1988) кропотливого труда. Работа ремесленника является не только Рождественским вертепом на библейскую тему, а произведением в миниатюре повседневной жизни альпийской деревни. Дома, церкви, магазины, мельницы, лесопильные заводы, горные хижины, обитатели — всё выполнено с учётом  мельчайших  деталей традиционных обычаев, оживленных механическими устройствами. К многовековым традициям прошлого помимо искусного использования рук, сегодня  добавлены сложные и современные технологии, позволяющие усовершенствовать ремесло плотников и резчиков по дереву. Дерево всегда является главной составляющей жизни района и, не случайно, каждый год в сентябре в Сутрио проходит фестиваль «Магия дерева» (Magia del legno) . По этому поводу деревня трансформируется в город мастеров, где десятки плотников и резчиков из Италии и других стран, демонстрируют перед публикой своё мастерство, в сопровождении волшебных альпийских мелодий аккордеона. На территории Карнии есть несколько музеев, позволяющих лучше понять значимость ремёсла по обработке дерева в этом районе: Музей дерева в городе Оваро (Museo del legno di Ovaro) и Эко-музей в Пауларо (Ecomuseo di Paularo).  

Древнее искусство, использования кукол во время проведения религиозных ритуалов и обрядов, зародилось в древней Греции и относится к VIII веку до нашей эры. Греческая традиция укрепляется и неизмеримо расширяется в Древнем Риме. В Римской империи театры марионеток были зрелищем весьма популярным. Обычно представления давались практически или совсем бесплатно, собирая огромное количество зрителей. В эпоху Возрождения (1545 год) в Венецианской республике кукольные представления получают новое выражение в «Commedia dell’Arte» — вид итальянского народного (площадного) театра. Спектакли давались как актерами, так и с использованием марионеток. Артисты кочевали по всей территории Италии с севера на юг, постоянно обогащая репертуар новыми историями и персонажами. Первые передвижные кукольные представления на Сицилии появились в XVI веке и восходят к традициям «кунтастори», так сицилийцы называли подобного рода уличных рассказчиков. В начале XIX (1835) в городе Катании был открыт первый театр марионеток, более известный как Опера деи Пупи (Opera dei Pupiх от латинского «pupus», что значит «малыш»). Кукловоды, они же являлись и рассказчиками историй, основанных на средневековых и других рыцарских библиографических источниках, таких как итальянские стихотворения эпохи Возрождения, жизнь святых и истории известных бандитов. На протяжении веков сицилийские марионетки, умело одушевлённые поколениями создававших их мастеров — кукловодов, были единственным источником образования и одной из немногих возможностей для отдыха и развлечений, как для неграмотных простолюдин так и буржуазии. Театры марионеток зачастую являлись семейными династиями, где объединялась работа художника, скульптура, плотника, конструктора, портного, кузнеца. Кукловоды постоянно пытались превзойти друг друга в мастерстве, тем самым способствуя развитию ремесла. Главными героями спектаклей были благородные рыцари, бесстрашные воины, прекрасные дамы, служители церкви. Чтобы иметь возможность собирать зрителей каждый день, история рассказывалась по частям и могла продолжаться целый год! Для этого постоянно создавались новые герои и их количество порой доходило до 200 персонажей. Современные сицилийские марионетки ничуть не отличаются от своих предшественников, изготовленных в XVI веке. Они, как и прежде, полностью изготавливаются вручную и воспринимаются как живые. На Сицилии существуют две основные школы этого вида искусства: в городе Палермо (рост куклы от 45 до 70 см, с весом до 15 кг.), влияние которой распространено в западной части острова; и городе Катания (размеры марионеток от 80 см. до 1,4, с весом  до 35 кг.), имеющей распространение, в основном, в восточной части острова, а также в регионе Калабрия. Две традиции различаются не только по размеру и весу кукол, а также некоторыми аспектами механики и системой маневрирования, но прежде всего театральной концепцией представления. Используя полученные от предков древние приемы старых мастеров, современные создатели кукол, как и прежде называемые «Pupari», со всей страстью продолжают их дело, скрупулезно следуя традициям. Основная структура кукол состоит из трех материалов: дерева, металла и ткани. Первые куклы — марионетки выполнялись из почти бросовых материалов: остаточная древесина, обычная железная проволока. Сейчас для основы построения кукол используют буковую или еловую древесину. Выбранная древесина распиливается на заготовки: голова ( впоследствии покрывается глиной), бюст, ноги и ступни; предплечья и руки (правая с закрытым кулаком, чтобы вложить в неё меч, левая — с открытым для закрепления щита). Затем эти части скрепляются вместе при помощи поволоки из мельхиора или латуни. Когда кукла собрана в единое целое ей создают индивидуальный образ персонажа, раскрашивая лицо, руки и ноги. Деревянный корпус куклы иногда покрывается соломой, поддерживаемой джутовой тканью, что придает округлость тела и объем. Следующий этап работы заключается в подборе костюма для персонажа. Для этого они обшиваются самыми лучшими материалами. Выбор модели не является случайным: он не принадлежит к замыслу мастера, а воспроизводит точную копию исторического канона, индивидуально для конкретного персонажа. Наряд марионетки обязательно дополняется настоящими металлическими доспехами, также воспроизведенными с исторической точностью оружейного ремесла того времени. Латы, вооружение, рисунки на доспехах, щит с собственным гербом —  все абсолютно такое же, как у средневековых рыцарей. Так создаётся марионетка, представляющая конкретного рыцаря, порой почти в рост человека, с присущей ей абсолютной достоверностью, узнаваемая зрителем по плащу и доспехам. В 2008 году сицилийский театр марионеток, известный как Опера деи Пупи, был внесен в список ЮНЕСКО как «Шедевр устного и нематериального наследия человечества». Впервые подобного признания удостоен не монумент или историческое место, а традиционное выражение популярной культуры. Очарование Оперы деи Пупи — наследие, уходящее своими корнями на остров Сицилия, но принадлежащее любому, кто любит повествования незатейливых историй и красоту традиционного искусства создания марионеток . В нескольких городах острова открыты музеи, посвящённые этому виду искусства: «Il Museo internazionale delle marionette Antonio Pasqualino» в Палермо, с  собранием богатейшей коллекции сицилийских пупи, марионеток и буратино со всего мира; «Museo Aretuseo dei pupi» в городе Сиракузы — первый в Италии монотематический музей, посвященный сказочному миру марионеток с коллекцией периода ХVII — XIX веков; «Museo Teatro Stabile Dei Pupi Siciliani» в городе Кальтаджироне, основанный в 1918 году с коллекцией более 120 древних сицилийских кукол, старинных плакатов, доспехов, костюмов; «Museo del patrimonio culturale a Randazzo» в городе Катания, где представлена коллекция из 39 старинных марионеток высокой исторической и художественной ценности, работы местной школы.          

Ткачество — одно из самых древних и почитаемых ремёсел за все время существования человечества. В Италии первыми производителями шёлковых тканей были Венеция и Генуя, которые, как морские республики, имели контакты с одним из важнейших экспортеров шёлка городом Дамаск в Сирии, от чего и сохранилось названия полотна. В регионе Лигурия (Liguria), провинция Генуя (Genova), в глубине побережья Портофино (Portofino Coast), в долине Фонтанабуона (Fontanabuonа) уютно расположился Лорсика (Lorsica) — борго (маленький аутентичный городок), где еще культивируется древнее искусство ткачества дамасского шёлка. Истоки ремёсла в Лорсике прослеживаются с XV века, когда текстильной гильдией города Генуя были наложены производственные ограничения, и мастера ушли искать работу на соседних территориях. В то время в Лорсике уже владели знаниями по шёлкопрядению и практически все семьи имели собственный ткацкий станок. Ткачеством, в первую очередь, занимались женщины, так как работа являлась очень кропотливой и требовала особого навыка. Первое упоминание о массовом производстве дамасских и шелковистых тканей в Лорсике встречается в документах Государственного архива, датированных 1675 годом. Лорсика известен на весь мир плетением драгоценных штофов (нем. Stoff, буквально ≈ ткань, декоративная с комбинированным переплетением и со сложным крупным тканым рисунком). Учитывая дороговизну натурального шёлка, а также трудоёмкость ручной работы, эта ткань являлась поистине драгоценной и ценилась буквально на весь золота. Она использовалась при декодировании в церквях, убранствах дворцов королей и домов богатых буржуа. На счёту лорсиканских ткачей имеется немало подлинных шедевров этого вида искусства. С XIX века производство стало осуществятся с использованием жаккардовых ткацких станков, что значительно сократило время исполнения и, следовательно, затраты. Дамаски из Лорсики ценятся во всем мире за яркость и стойкость красок, совершенство рисунка и, наконец, за качество ткани, выполненной с эффектом матового глянца. На самом деле у полотна нет правой и левой стороны, но, как правило, лицевой считается та, где рисунок более выпуклый и блестящий. Непревзойденной классикой шёлковых дамасков из Лорсики являются полотна с симметричным растительным рисунком пальмы, розы, граната, георгина, петрушки; элегантной наполеоновской пчелой и утончённым стилем Людовика XVI. Сейчас в Лорсике осталась только одна мастерская, занимающаяся этим уникальным искусством — мануфактура Сыновья Де Мартини Джузеппе (Figli Di De Martini Giuseppe). Из поколения в поколение, начиная с 500-х годов, сегодня, как и тогда, дамаски производятся на старинных ткацких станках, разработанных той же семьей Де Мартини. Полотно в основном используется для обивки мебели. Почти вся работа, как и прежде, мастером выполняется вручную. Это трудная работа, требующая терпения, умения, упорства, фундаментальных навыков, и, как очевидно, большой ловкости, но окончательный результат, во всех отношениях, является произведением искусства. Производство «Figli di Demartini Giuseppe» может похвастаться собранием более чем 300 перфорированных карт для нанесения на ткань эксклюзивных рисунков, которые семья трепетно сохраняет на протяжении веков. Сегодня на «новом» (1943) станке с 12-метровой рамкой появилась возможность производить до 6 метров ткани в день и, несомненно, её можно назвать «ювелирным изделием» в ткацком искусстве Италии. Лучшие бренды, сотрудничающие с компанией, знают это и терпеливо ждут выполнения своего заказа. Несмотря на любовь и большое уважение к прошлому, новое поколение ткачей экспериментирует с другими тканями, такими как кашемир, хлопок, лён, дикий шелк (чесуча или шантунг), из которых производят штофы, лампасо и макраме, типичные для территории Лигурии, а также полотна для штор, пледов, шарфов, одежды и различных аксессуаров. Продукция компании защищена товарным знаком «Artigiani In Liguria», что гарантирует оригинальность и использование только натуральных видов пряжи. Чтобы рассказать об очаровании и истории уникального текстильного искусства в Лорсике, в 2007 году был основан «Музей Дамаска и истории территории» (Museo del Damasco e della storia del territorio) — культурный центр, расположенный в старинном здании в центре города, где можно узнать о происхождении и эволюции плетения дамаска, а также насладится обширной коллекцией тканей и древних артефактов.   Дамаск из Лорсики классических расцветок с наполеоновской пчелой  

Ювелирное искусство филиграни на Сардинии (Filigrana sarda)   В переплетении тончайших драгоценных нитей рождается знаменитая «филиграна сарда» ((итал. filigrana, из лат. filum «нить» + granum «зерно») –  ювелирная техника, использующая ажурный узор из тонкой золотой, серебряной проволоки. Возникновение филигранной техники при работе с драгоценными металлами на территории Италии относится к концу VIII века до нашей эры и неразрывно связано с этрусскими ювелирами. Во II веке до нашей эры искусство работы в филиграни было распространено по всей территории Римской империи, включая остров Сардиния и считалось одним из самых известных, на ровне с выдающимися ювелирными мастерскими в Агридженто, Флоренции, Генуе, Турине, Венеции, Виченце, Ареццо и Неаполе. Свидетельством того, насколько широко были распространены такие работы, служат найденные в гробницах многочисленные артефакты в виде ожерелий, браслетов, брошей  и украшений для укладки волос. Ювелирное искусство на острове Сардиния развивалось под влиянием тосканских и каталанских школ мастерства. Среди первых и наиболее важных центров обработки золота на Сардинии были города: Кальяри, Иглесиас и Сассари. В разных районах острова ювелирное мастерство имело собственные традиции и направления, но всегда общую историю, насыщенную красивыми легендами.   В эпоху Возрождения филигранные украшения были привилегией аристократических классов, но в силу их божественной значимости, к концу XVIII века они становятся излюбленным украшением женского и мужского платья, особенно праздничного. Традиция украшать костюмы коническими подвесками из серебряной филиграни, напоминающими форму материнской груди, символизировала благополучие и плодородие. Характерными амулетами острова Сардинии являются s’ispuligadentes – серебряные кулоны различной формы (с зооморфным изображением лошадей, собак, голубей, насекомых, хищных птиц, единорогов, драконов; антропоморфных – рыцарей, иногда в паре с женской фигурой), заканчивающиеся удлиненными концами, один из которых предназначался для очистки зубов и ногтей, а другой, в виде маленькой ложечки, для чистки ушей. Для их изготовления нужна особая изощрённость в мастерстве ювелира, не требуемая для большинства других амулетов. Хотя теперь их основная практическая функция утрачена, «испулигаденты» остаются неотделимым атрибутом национального костюма Сардинии. Среди многочисленных ювелирных изделий немалую роль занимают амулеты в виде заколок со вставками из различных типов материалов, таких как обсидиан, коралл, белый мрамор, клык дикого кабана, жемчуг, используемые для застёжек или заколок некоторых частей традиционных костюмов, таких как шали или фартуки. На Сардинии искренне верят, что они защищают от зависти, так как принимают на себя отрицательное влияние людей, нейтрализуя его. Особого внимания в филигранном искусстве Сардинии заслуживает «Fede sarda» (итал. fede – «доверие, лояльность») – старинное ювелирное украшение ручной работы в виде кольца, иногда со вставками из кораллов, драгоценных и полудрагоценных камней.   Чтобы понять мотив такого интереса, достаточно разглядеть его поближе и восхититься тщательностью мастерства филиграни.  «Феде сарда» изготавливают из тончайших перекрученных между собой золотых или серебряных нитей в четыре ряда, заканчивающихся на верхней поверхности зернью –  шариками с диаметром 0,1 мм, которые напаивают на кольцо, располагая их рядом друг к другу. Изготовление можно разделить на пять фаз: литье металлов, прокат тонкой пластины, волочение для получения проволоки, филигранная работа с обжигом зерни, полировка.   Традиционно кольцо не закрыто, оно остается открытым со стороны пальца, обращенной к ладони. Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Происхождение «феде сарда» очень древнее, и, как полагают, символизирует прорастание пшеницы и служит знаком процветания, взаимопонимания и любви в паре, неразрывно связывая с землёй и продолжением рода.     Изделие, которые имеет большое значение в традиции острова: по этой причине их надевают в самых важных случаях жизни, передавая от матери к дочери из поколения в поколение. Передача кольца обычно приурочена к помолвке или к рождению первенца. Даже выбор левого безымянного пальца не является случайным: согласно преданию, в этом месте руки проходит вена (la vena amoris), несущая кровь непосредственно к сердцу. «Феде сарда» распространена за пределами острова и представляет собой национальный   охраняемый культурный объект. Последние годы экономического кризиса объем данного ремёсла резко сократился, но благодаря золотых дел мастерам, до сих пор работающим целиком и полностью вручную, удается сохранить древнейшее искусство. Изготовить что-либо своими руками всегда очень сложно и трудоёмко, но конечный результат при этом гарантированно будет уникален и неповторим, и если это правда, что красота заключается в деталях, то определённо правда также и то, что украшения, производимые в мастерских острова Сардиния, являются образцами классической красоты. Благодаря таланту и высокой степени профессионализма мастеров Сардинии, ежедневно вносящих свой вклад в развитие ремесла, создаются уникальные ювелирные изделия, придающие Италии особый драгоценный блеск. В секторе производства изделий из драгоценных металлов Италия удерживает мировое лидерство.     Полюбоваться лучшими ювелирными работами в технике «филиграна сарда» и познакомится с традицией национального костюма острова, можно посетив Музей сардинских украшений и костюмов (Museo del gioiello e del costume sardo), расположенный в дворце Бойль в городке Милисе (Milis). Постоянная бесплатная экспозиция наглядно демонстрирует развитие ювелирного искусства Сардинии, в сочетании с эволюцией традиционной сардинской одежды на протяжении более двухсотлетней истории.   Фрагмент традиционного платья с серебряным амулетом из ракушек и кораллов