Промыслы

Ремёсла Италии: Венецианские маски

Маска (итал. maschera), пришедшая в Италию с востока, в переводе с арабского «mascharà» означает насмешка, издёвка.   С незапамятных времен маски являлись одним из характерных и незаменимых элементов для скрытия человеческого лица в ходе религиозных церемоний. Принято считать, что история венецианской маски берет начало с 1268 года, после выхода закона с правилами и ограничениями её использования. Когда в 1296 году Сенатом Республики (Serenissima Repubblica) Венецианский карнавал был объявлен праздником перед Великим постом, началось массовое изготовление масок.   Начиная с Xlll века, история производства карнавальных масок начинает официально документироваться. Также в этот период появляются первые инструменты для обработки глины, папье-маше, гипса и марли. Ремесло переходит на новый художественный уровень развития. Создаются творческие маски с рисунками, вышивкой, бисером, тканями, лентами, кружевом, перьями.   Мастера, делавшие маски, назывались «maschereri» и с 1436 года им был присвоен статус живописцев. Потребность в масках была настолько велика, что их начали производить «в черном» секторе. Производство стало таким интенсивным, что к 1773 году в Венеции насчитывалось 12 официальных магазинов для их продажи. В городе зарождается и  развивается настоящая индустрия карнавала.   Маски в Венеции были настолько популярны, что к середине XVI века в моду входят маскированные театральные представления, сначала в частных домах, а затем и в больших театрах. Они имели огромный успех, способствуя развитию истинно профессионального сектора и созданию  известных на весь мир именных масок итальянской комедии Дель Арте (commedia dell’arte) — комедия масок: Арлекин, Коломбина, Педролино, Пульчинелла, Пьеро, Бригелла, Дзанни и другие персонажи, каждая из которых отличалась определенным характером и стилем.   Современные мастера бережно сохраняют древнее искусство. Высокохудожественные маски изготавливаются вручную из папье-маше, в соответствии со старой традицией. Техника работ с годами не поменялась, но современные художники, используя опыт прошлого, добавляют в их производство собственный талант и новые знания. Мастер «maschereri» обладает художественными навыками скульптора, художника, стилиста. Для создания новой модели венецианской маски, в первую очередь, изготавливается глиняная модель. Это самая творческая часть работы, которая может длиться от нескольких часов до нескольких недель. На практике для каждой маски создаётся индивидуальная форма.   Затем скульптура обливается слоем разведённого с водой алебастрового порошка. Примерно через 90 минут, после полного высыхания, с большой осторожность, отделяют полученную гипсовую маску. Следующим шагом является создание своего рода «кашицы». Её приготавливают из замоченных в горячей воде мелких кусочков бумаги, которые перетирают в ступке до однородного состояния (отсюда и название «cartapesta»). После этого в смесь добавляют клей или клейстер, получая идеальный материал для будущей маски. Чтобы ускорить этот трудоёмкий процесс, современные ремесленники применяют блендер.   Теперь гипсовую маску смазывают вазелином и наполняют приготовленной массой (папье-маше). Пальцы мастера являются единственным действительно подходящим инструментом для этой работы, особенно если модель сложная.   Как только «кашица» полностью высохнет (это может занять более 24 часов), мастер извлекает маску из гипсовой формы. Эта техника является результатом многовекового опыта, которая позволяет получить идеально гладкие маски без «морщин», отлично подходящие для самых утончённых работ.   Теперь в маске вырезают место для глаз и подготавливают для последующей раскраски и декора. Для этого на лицевую сторону наносится слой белой акриловой темперы.  После её полного высыхания приступают к оформлению маски. Это медленный и кропотливый процесс, с использованием многочисленных материалов и разновидных техник. На данном этапе творчеству мастера нет границ и всё зависит только от его фантазии.   В Венеции по сей день над созданием масок трудятся многочисленные мастера высочайшего уровня. Сохраняя древнее искусство, они вносят вклад в процветание ремёсла, приносящего радость людям и мировую известность стране.   К сожалению, в Венеции нет ни одного музея, представляющего данное ремесло, но каждый художник, создающий маски для продажи, имеет свою мастерскую (La Bauta, Atelier Marega, Ca’ Macana, Ca’ del Sol, Fratelli Sergio e Massimo Boldrin, La Bottega dei Mascareri и др.), куда всегда можно заглянуть и получить море эмоций.   Стоимость маски ручной работы, выполненной по многовековой традиции венецианского карнавала и подтверждённой сертификатом гарантии качества и происхождения, может превышать тысячу евро.   Венецианская маска — это путешествие во времени, начавшееся с XIII века до наши дней, от примитивных до самых современных техник и художественных достижений — это искусство, являющееся неотъемлемой частью Венеции, полное традиций великолепия Венецианского карнавала!    

Итальянские ремёсла: Керамика буккеро из Губбио

Губбио (Gubbio) — коммуна в Италии, расположенная в провинции Перуджа (Perugia), в регионе Умбрия (Umbria), где до наших дней сохранилась уникальная техника производства чёрной керамики — буккеро. Происхождение этого типа керамики очень древнее и относится к этрусской эпохе. Буккеро (bucchero) происходит от португальского слова «bucaro», что означает «благоухающая земля» — вид полностью чёрной, глянцевой с внешней стороны керамики. Этруски изготовляли изделия из чёрной керамики для повседневного обихода, но дошедшие до нас древние артефакты, поражают мастерством создавших их рук. В середине VII века до н. э. мастерились разнообразные сосуды, названные «Bucchero sottile». Они отличались тонкостью стенок и высеченным рисунком с геометрическими элементами, с изображениями реальных и фантастических животных, воинов, колесниц. В начале V в. до н. э. появилась посуда со своеобразными формами, отяжелённая сложными рельефными орнаментами — «Bucchero pesante». В 1444 году в некрополе храма Юпитера, при проведении археологических раскопок, были найдены Игувинские таблицы (III-I вв. до н..), написанные на смеси этрусского и умбрского языков, что свидетельствует об общих корнях племен, занимавших территорию современной Умбрии. От этрусков здешние ремесленники переняли многое, в том числе знание техники изготовления керамики.   В конце XIV начале XV века ремесло керамистов сформировалось в четырёх крупных центрах Умбрии: Дерута (Deruta), Гуальдо-Тадино (Gualdo Tadino), Орвието (Orvieto), Губбио. Техника производства буккеро наделала много путаницы, настолько, что в известной книге Эмилио Камерини (Emilio Camerini) описано 6 возможных методов. В начале 900-х годов, уроженец здешних мест, маркиз Полидоро Бенведути (Polidoro Benveduti) заново воспроизвёл древнюю технику изготовления чёрной керамики, и теперь можно сказать, что Губбио по праву является итальянской столицей буккеро.   Древнее искусство, к счастью, не было потеряно, что даёт возможность восхищаться им сегодня. Чтобы не утратить оригинальность продукта, местные ремесленники решили строго следовать классическому процессу производства буккеро. В Губбио, по сей день, прослеживается сильная связь с традициями прошлого, и мастера стремятся максимально защитить это наследие, сохранив ценное ремесло для региона Умбрии и всей Италии.   Буккеро — уникальный продукт, создаваемый мастерами керамики из мелкозернистой глины редкой чистоты, обогащенной оксидом железа. Техника буккеро позволяет придавать изделиям черный цвет и красивый глянец. Изделия, созданные с её применением, элегантны, имеют изящную форму и уникальную поверхность, что в сочетании с украшением золотом и платиной делает их истинными произведениями искусства.   Для воспроизведения формы будущего сосуда используется гончарный круг и специальные штампы. После чего мастер тщательно обрабатывает поверхность изделия деревянной планкой из самшита, затем наждачной бумагой. Чтобы предать объекту более привлекательный вид, на его поверхность наносится рисунок с помощью металического наконечника, наполненного жидким золотом. Далее форма помещается в специальную, герметично закрытую печь; обжиг осуществляется при температуре достигающей 900 ° в течение 12 часов. Сгорающий уголь производит дым, который при высокой температуре проникает в пористую структуру керамики и окрашивает её в чёрный цвет. Под воздействием температуры глина переходит в стеклообразное состояние, получается очень твёрдой и гладкой, похожей на металл. После охлаждения продукт очищается и окончательно  полируется мягкими тканями.   Керамика, произведённая в технике буккеро, и сегодня является жемчужиной Губбио. Мастера создают предметы домашнего убранства: кувшины, вазы, амфоры, базы для настольных ламп, словом всё то, что можно добавить в интерьер дома, придав ему изысканный уют. Эти работы выполнены как точные копии этрусских моделей, так и с элементами современного дизайна.     В самом сердце Губбио располагается «La Fornace del Bucchero» – ремесленная мастерская, с 1825 года производящая изделия высокого художественного уровня в этрусском стиле, а в исторической лаборатории Антонио Росси (Antonio Rossi), передавая мастерство искусства из поколения в поколение, в старой печи создаются детали и готовые изделия в технике буккеро изысканного современного дизайна. В Муниципальном музее, занимающем здание Palazzo dei Consoli, есть раздел, посвященный исключительно производству керамики буккеро в Губбио. Представленная экспозиция рассказывает историю развития мастерства.

Ремёсла Италии:Искусство обработки дерева в Сутрио

Сутрио (Sutrio) — коммуна в регионе Фриули-Венеция-Джулия, в провинции Удине. Аутентичная деревня (borgo) Сутрио расположена на высоте 570 м на территории Карния (Carnia) – старинной и свободолюбивой области в Альпах, бережно хранящей свою историю и традиции. Вот уже более двух тысячелетий здесь живёт гордый народ, по сей день соблюдающий горские обычаи, известный на весь мир своими мастерами в обработке и резьбе по дереву.   Многовековая традиция издавна прославила эти места: умелые плотники и резчики по дереву передают наследие из поколения в поколение, сохраняя  способность создавать из простого сырья настоящие произведения искусства.   Карнию называют «pais di marangons» , что означает страна плотников, а очаровательную деревушку Сутрио — столицей деревянного искусства Италии. Традиция ремесла в Сутрио имеет глубокие корни. В высокогорной части Италии зима довольно продолжительна и, учитывая неэффективность сельского хозяйства, продиктованную климатическими невзгодами и изобилие лесов, мужская часть населения посвятила себя мастерству создания мебели, домашней утвари, скульптур и барельефов и уникальных произведений из дерева.     Сначала 700-х годов изделия из мастерских Сутрио украшали дома венецианских и удианских дворян, дворцы и церкви . К середине XVIII века в долине Горто (Canale di Gorto), насчитывалось девять лесопильных заводов и множество мастерских, в стенах которых создавались уникальные декоративные гравюры и аксессуары для мебели, в которых, порой, стиралась граница между искусством и мастерством. Пришедшие из Сауриса драгоценные артефакты: знаменитые деревянные туфли (zoccoli) и карнавальные маски, выполненные ремесленниками из дерева клена и ольхи, по сей день поражают мастерством.   Произведения здешних ремесленников отличаются точностью и вниманием к деталям, искусным дизайном и мастерством исполнения. Ярким примером этого является Пресепио ди Тено (Presepio di Teno), в создание которого Гауденцио Страулино (Gaudenzio Straulino) — мастер из Сутрио, вложил 30 лет (1805-1988) кропотливого труда. Работа ремесленника является не только Рождественским вертепом на библейскую тему, а произведением в миниатюре повседневной жизни альпийской деревни. Дома, церкви, магазины, мельницы, лесопильные заводы, горные хижины, обитатели — всё выполнено с учётом  мельчайших  деталей традиционных обычаев, оживленных механическими устройствами. К многовековым традициям прошлого помимо искусного использования рук, сегодня  добавлены сложные и современные технологии, позволяющие усовершенствовать ремесло плотников и резчиков по дереву. Дерево всегда является главной составляющей жизни района и, не случайно, каждый год в сентябре в Сутрио проходит фестиваль «Магия дерева» (Magia del legno) . По этому поводу деревня трансформируется в город мастеров, где десятки плотников и резчиков из Италии и других стран, демонстрируют перед публикой своё мастерство, в сопровождении волшебных альпийских мелодий аккордеона. На территории Карнии есть несколько музеев, позволяющих лучше понять значимость ремёсла по обработке дерева в этом районе: Музей дерева в городе Оваро (Museo del legno di Ovaro) и Эко-музей в Пауларо (Ecomuseo di Paularo).  

Ремёсла Италии: Искусство создания марионеток «Пупи» с острова Сицилия

Древнее искусство, использования кукол во время проведения религиозных ритуалов и обрядов, зародилось в древней Греции и относится к VIII веку до нашей эры. Греческая традиция укрепляется и неизмеримо расширяется в Древнем Риме. В Римской империи театры марионеток были зрелищем весьма популярным. Обычно представления давались практически или совсем бесплатно, собирая огромное количество зрителей. В эпоху Возрождения (1545 год) в Венецианской республике кукольные представления получают новое выражение в «Commedia dell’Arte» — вид итальянского народного (площадного) театра. Спектакли давались как актерами, так и с использованием марионеток. Артисты кочевали по всей территории Италии с севера на юг, постоянно обогащая репертуар новыми историями и персонажами. Первые передвижные кукольные представления на Сицилии появились в XVI веке и восходят к традициям «кунтастори», так сицилийцы называли подобного рода уличных рассказчиков. В начале XIX (1835) в городе Катании был открыт первый театр марионеток, более известный как Опера деи Пупи (Opera dei Pupiх от латинского «pupus», что значит «малыш»). Кукловоды, они же являлись и рассказчиками историй, основанных на средневековых и других рыцарских библиографических источниках, таких как итальянские стихотворения эпохи Возрождения, жизнь святых и истории известных бандитов. На протяжении веков сицилийские марионетки, умело одушевлённые поколениями создававших их мастеров — кукловодов, были единственным источником образования и одной из немногих возможностей для отдыха и развлечений, как для неграмотных простолюдин так и буржуазии. Театры марионеток зачастую являлись семейными династиями, где объединялась работа художника, скульптура, плотника, конструктора, портного, кузнеца. Кукловоды постоянно пытались превзойти друг друга в мастерстве, тем самым способствуя развитию ремесла. Главными героями спектаклей были благородные рыцари, бесстрашные воины, прекрасные дамы, служители церкви. Чтобы иметь возможность собирать зрителей каждый день, история рассказывалась по частям и могла продолжаться целый год! Для этого постоянно создавались новые герои и их количество порой доходило до 200 персонажей. Современные сицилийские марионетки ничуть не отличаются от своих предшественников, изготовленных в XVI веке. Они, как и прежде, полностью изготавливаются вручную и воспринимаются как живые. На Сицилии существуют две основные школы этого вида искусства: в городе Палермо (рост куклы от 45 до 70 см, с весом до 15 кг.), влияние которой распространено в западной части острова; и городе Катания (размеры марионеток от 80 см. до 1,4, с весом  до 35 кг.), имеющей распространение, в основном, в восточной части острова, а также в регионе Калабрия. Две традиции различаются не только по размеру и весу кукол, а также некоторыми аспектами механики и системой маневрирования, но прежде всего театральной концепцией представления. Используя полученные от предков древние приемы старых мастеров, современные создатели кукол, как и прежде называемые «Pupari», со всей страстью продолжают их дело, скрупулезно следуя традициям. Основная структура кукол состоит из трех материалов: дерева, металла и ткани. Первые куклы — марионетки выполнялись из почти бросовых материалов: остаточная древесина, обычная железная проволока. Сейчас для основы построения кукол используют буковую или еловую древесину. Выбранная древесина распиливается на заготовки: голова ( впоследствии покрывается глиной), бюст, ноги и ступни; предплечья и руки (правая с закрытым кулаком, чтобы вложить в неё меч, левая — с открытым для закрепления щита). Затем эти части скрепляются вместе при помощи поволоки из мельхиора или латуни. Когда кукла собрана в единое целое ей создают индивидуальный образ персонажа, раскрашивая лицо, руки и ноги. Деревянный корпус куклы иногда покрывается соломой, поддерживаемой джутовой тканью, что придает округлость тела и объем. Следующий этап работы заключается в подборе костюма для персонажа. Для этого они обшиваются самыми лучшими материалами. Выбор модели не является случайным: он не принадлежит к замыслу мастера, а воспроизводит точную копию исторического канона, индивидуально для конкретного персонажа. Наряд марионетки обязательно дополняется настоящими металлическими доспехами, также воспроизведенными с исторической точностью оружейного ремесла того времени. Латы, вооружение, рисунки на доспехах, щит с собственным гербом —  все абсолютно такое же, как у средневековых рыцарей. Так создаётся марионетка, представляющая конкретного рыцаря, порой почти в рост человека, с присущей ей абсолютной достоверностью, узнаваемая зрителем по плащу и доспехам. В 2008 году сицилийский театр марионеток, известный как Опера деи Пупи, был внесен в список ЮНЕСКО как «Шедевр устного и нематериального наследия человечества». Впервые подобного признания удостоен не монумент или историческое место, а традиционное выражение популярной культуры. Очарование Оперы деи Пупи — наследие, уходящее своими корнями на остров Сицилия, но принадлежащее любому, кто любит повествования незатейливых историй и красоту традиционного искусства создания марионеток . В нескольких городах острова открыты музеи, посвящённые этому виду искусства: «Il Museo internazionale delle marionette Antonio Pasqualino» в Палермо, с  собранием богатейшей коллекции сицилийских пупи, марионеток и буратино со всего мира; «Museo Aretuseo dei pupi» в городе Сиракузы — первый в Италии монотематический музей, посвященный сказочному миру марионеток с коллекцией периода ХVII — XIX веков; «Museo Teatro Stabile Dei Pupi Siciliani» в городе Кальтаджироне, основанный в 1918 году с коллекцией более 120 древних сицилийских кукол, старинных плакатов, доспехов, костюмов; «Museo del patrimonio culturale a Randazzo» в городе Катания, где представлена коллекция из 39 старинных марионеток высокой исторической и художественной ценности, работы местной школы.          

Ремёсла Италии: Ткацкое искусство Дамаски из Лорсика

Ткачество — одно из самых древних и почитаемых ремёсел за все время существования человечества. В Италии первыми производителями шёлковых тканей были Венеция и Генуя, которые, как морские республики, имели контакты с одним из важнейших экспортеров шёлка городом Дамаск в Сирии, от чего и сохранилось названия полотна. В регионе Лигурия (Liguria), провинция Генуя (Genova), в глубине побережья Портофино (Portofino Coast), в долине Фонтанабуона (Fontanabuonа) уютно расположился Лорсика (Lorsica) — борго (маленький аутентичный городок), где еще культивируется древнее искусство ткачества дамасского шёлка. Истоки ремёсла в Лорсике прослеживаются с XV века, когда текстильной гильдией города Генуя были наложены производственные ограничения, и мастера ушли искать работу на соседних территориях. В то время в Лорсике уже владели знаниями по шёлкопрядению и практически все семьи имели собственный ткацкий станок. Ткачеством, в первую очередь, занимались женщины, так как работа являлась очень кропотливой и требовала особого навыка. Первое упоминание о массовом производстве дамасских и шелковистых тканей в Лорсике встречается в документах Государственного архива, датированных 1675 годом. Лорсика известен на весь мир плетением драгоценных штофов (нем. Stoff, буквально ≈ ткань, декоративная с комбинированным переплетением и со сложным крупным тканым рисунком). Учитывая дороговизну натурального шёлка, а также трудоёмкость ручной работы, эта ткань являлась поистине драгоценной и ценилась буквально на весь золота. Она использовалась при декодировании в церквях, убранствах дворцов королей и домов богатых буржуа. На счёту лорсиканских ткачей имеется немало подлинных шедевров этого вида искусства. С XIX века производство стало осуществятся с использованием жаккардовых ткацких станков, что значительно сократило время исполнения и, следовательно, затраты. Дамаски из Лорсики ценятся во всем мире за яркость и стойкость красок, совершенство рисунка и, наконец, за качество ткани, выполненной с эффектом матового глянца. На самом деле у полотна нет правой и левой стороны, но, как правило, лицевой считается та, где рисунок более выпуклый и блестящий. Непревзойденной классикой шёлковых дамасков из Лорсики являются полотна с симметричным растительным рисунком пальмы, розы, граната, георгина, петрушки; элегантной наполеоновской пчелой и утончённым стилем Людовика XVI. Сейчас в Лорсике осталась только одна мастерская, занимающаяся этим уникальным искусством — мануфактура Сыновья Де Мартини Джузеппе (Figli Di De Martini Giuseppe). Из поколения в поколение, начиная с 500-х годов, сегодня, как и тогда, дамаски производятся на старинных ткацких станках, разработанных той же семьей Де Мартини. Полотно в основном используется для обивки мебели. Почти вся работа, как и прежде, мастером выполняется вручную. Это трудная работа, требующая терпения, умения, упорства, фундаментальных навыков, и, как очевидно, большой ловкости, но окончательный результат, во всех отношениях, является произведением искусства. Производство «Figli di Demartini Giuseppe» может похвастаться собранием более чем 300 перфорированных карт для нанесения на ткань эксклюзивных рисунков, которые семья трепетно сохраняет на протяжении веков. Сегодня на «новом» (1943) станке с 12-метровой рамкой появилась возможность производить до 6 метров ткани в день и, несомненно, её можно назвать «ювелирным изделием» в ткацком искусстве Италии. Лучшие бренды, сотрудничающие с компанией, знают это и терпеливо ждут выполнения своего заказа. Несмотря на любовь и большое уважение к прошлому, новое поколение ткачей экспериментирует с другими тканями, такими как кашемир, хлопок, лён, дикий шелк (чесуча или шантунг), из которых производят штофы, лампасо и макраме, типичные для территории Лигурии, а также полотна для штор, пледов, шарфов, одежды и различных аксессуаров. Продукция компании защищена товарным знаком «Artigiani In Liguria», что гарантирует оригинальность и использование только натуральных видов пряжи. Чтобы рассказать об очаровании и истории уникального текстильного искусства в Лорсике, в 2007 году был основан «Музей Дамаска и истории территории» (Museo del Damasco e della storia del territorio) — культурный центр, расположенный в старинном здании в центре города, где можно узнать о происхождении и эволюции плетения дамаска, а также насладится обширной коллекцией тканей и древних артефактов.   Дамаск из Лорсики классических расцветок с наполеоновской пчелой  

Ремёсла Италии: Ювелирное искусство филиграни на Сардинии

Ювелирное искусство филиграни на Сардинии (Filigrana sarda)   В переплетении тончайших драгоценных нитей рождается знаменитая «филиграна сарда» ((итал. filigrana, из лат. filum «нить» + granum «зерно») –  ювелирная техника, использующая ажурный узор из тонкой золотой, серебряной проволоки. Возникновение филигранной техники при работе с драгоценными металлами на территории Италии относится к концу VIII века до нашей эры и неразрывно связано с этрусскими ювелирами. Во II веке до нашей эры искусство работы в филиграни было распространено по всей территории Римской империи, включая остров Сардиния и считалось одним из самых известных, на ровне с выдающимися ювелирными мастерскими в Агридженто, Флоренции, Генуе, Турине, Венеции, Виченце, Ареццо и Неаполе. Свидетельством того, насколько широко были распространены такие работы, служат найденные в гробницах многочисленные артефакты в виде ожерелий, браслетов, брошей  и украшений для укладки волос. Ювелирное искусство на острове Сардиния развивалось под влиянием тосканских и каталанских школ мастерства. Среди первых и наиболее важных центров обработки золота на Сардинии были города: Кальяри, Иглесиас и Сассари. В разных районах острова ювелирное мастерство имело собственные традиции и направления, но всегда общую историю, насыщенную красивыми легендами.   В эпоху Возрождения филигранные украшения были привилегией аристократических классов, но в силу их божественной значимости, к концу XVIII века они становятся излюбленным украшением женского и мужского платья, особенно праздничного. Традиция украшать костюмы коническими подвесками из серебряной филиграни, напоминающими форму материнской груди, символизировала благополучие и плодородие. Характерными амулетами острова Сардинии являются s’ispuligadentes – серебряные кулоны различной формы (с зооморфным изображением лошадей, собак, голубей, насекомых, хищных птиц, единорогов, драконов; антропоморфных – рыцарей, иногда в паре с женской фигурой), заканчивающиеся удлиненными концами, один из которых предназначался для очистки зубов и ногтей, а другой, в виде маленькой ложечки, для чистки ушей. Для их изготовления нужна особая изощрённость в мастерстве ювелира, не требуемая для большинства других амулетов. Хотя теперь их основная практическая функция утрачена, «испулигаденты» остаются неотделимым атрибутом национального костюма Сардинии. Среди многочисленных ювелирных изделий немалую роль занимают амулеты в виде заколок со вставками из различных типов материалов, таких как обсидиан, коралл, белый мрамор, клык дикого кабана, жемчуг, используемые для застёжек или заколок некоторых частей традиционных костюмов, таких как шали или фартуки. На Сардинии искренне верят, что они защищают от зависти, так как принимают на себя отрицательное влияние людей, нейтрализуя его. Особого внимания в филигранном искусстве Сардинии заслуживает «Fede sarda» (итал. fede – «доверие, лояльность») – старинное ювелирное украшение ручной работы в виде кольца, иногда со вставками из кораллов, драгоценных и полудрагоценных камней.   Чтобы понять мотив такого интереса, достаточно разглядеть его поближе и восхититься тщательностью мастерства филиграни.  «Феде сарда» изготавливают из тончайших перекрученных между собой золотых или серебряных нитей в четыре ряда, заканчивающихся на верхней поверхности зернью –  шариками с диаметром 0,1 мм, которые напаивают на кольцо, располагая их рядом друг к другу. Изготовление можно разделить на пять фаз: литье металлов, прокат тонкой пластины, волочение для получения проволоки, филигранная работа с обжигом зерни, полировка.   Традиционно кольцо не закрыто, оно остается открытым со стороны пальца, обращенной к ладони. Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Происхождение «феде сарда» очень древнее, и, как полагают, символизирует прорастание пшеницы и служит знаком процветания, взаимопонимания и любви в паре, неразрывно связывая с землёй и продолжением рода.     Изделие, которые имеет большое значение в традиции острова: по этой причине их надевают в самых важных случаях жизни, передавая от матери к дочери из поколения в поколение. Передача кольца обычно приурочена к помолвке или к рождению первенца. Даже выбор левого безымянного пальца не является случайным: согласно преданию, в этом месте руки проходит вена (la vena amoris), несущая кровь непосредственно к сердцу. «Феде сарда» распространена за пределами острова и представляет собой национальный   охраняемый культурный объект. Последние годы экономического кризиса объем данного ремёсла резко сократился, но благодаря золотых дел мастерам, до сих пор работающим целиком и полностью вручную, удается сохранить древнейшее искусство. Изготовить что-либо своими руками всегда очень сложно и трудоёмко, но конечный результат при этом гарантированно будет уникален и неповторим, и если это правда, что красота заключается в деталях, то определённо правда также и то, что украшения, производимые в мастерских острова Сардиния, являются образцами классической красоты. Благодаря таланту и высокой степени профессионализма мастеров Сардинии, ежедневно вносящих свой вклад в развитие ремесла, создаются уникальные ювелирные изделия, придающие Италии особый драгоценный блеск. В секторе производства изделий из драгоценных металлов Италия удерживает мировое лидерство.     Полюбоваться лучшими ювелирными работами в технике «филиграна сарда» и познакомится с традицией национального костюма острова, можно посетив Музей сардинских украшений и костюмов (Museo del gioiello e del costume sardo), расположенный в дворце Бойль в городке Милисе (Milis). Постоянная бесплатная экспозиция наглядно демонстрирует развитие ювелирного искусства Сардинии, в сочетании с эволюцией традиционной сардинской одежды на протяжении более двухсотлетней истории.   Фрагмент традиционного платья с серебряным амулетом из ракушек и кораллов     

Ремёсла Италии: Искусство плетения «морского шёлка» с острова Сант-Антиоко

Искусство плетения «морского шёлка» с острова Сант-Антиоко, Регион Сардиния      Древнейшее искусство ткачества волокна, получаемого из тонких и прозрачных волокон, секретируемых моллюсками, берет своё начало в ассиро-вавилонской цивилизации и было хорошо известно египтянам, евреям, финикийцам, грекам и римлянам. На протяжении веков одежда, выполненная из этого волокна, являлась символом высочайшего статуса: носили её только фараоны, римские императоры, короли, первосвященники, цари. Предание гласит, что такие легендарные артефакты, как золотое Руно Ясона, одежды царя Соломона были сплетены из «морского шёлка» , но со временем ремесло древнего ткачества было полностью утрачено. На небольшом острове Сант-Антиоко ( S.Antioco), находящемся на юге от Сардинии (Sardegna) расположился маленький городок Каласетта (Calasetta), с населением менее 3 тыс. человек, знаменитый на весь мир тем, что только в нём сохранилось мастерство плетения «морского шёлка». Здесь живёт и работает последняя хранительница древнейшего искусства. Кьяра Виго (Chiara Vigo) единственная в мире производительница текстиля животного происхождения, называемого виссоном (морской шёлк). Материал получают из натуральной слизи, выделяемой моллюсками «Пина Нобилес» (La Pinna Nobilis), которое при контакте с водой формируется в волокна — биссус, необходимые им для закрепления с морским дном. Этот вид является самым большим двустворчатым моллюском, обитающим в Средиземное море (45-60 см) и находится под защитой государства из-за угрозы исчезновения. Кьяра Виго создала специальный метод, позволяющий собирать биссус, не нанося вред существу. Дар и умение мастерства Кьяре Виго достался по наследству от бабушки, именно она, научила её крутить нить в пять лет и ткать к двенадцати. Всю свою жизнь Крьяра посвятила этому нелёгкому мастерству. Добыть биссус очень сложно, ведь моллюски обитают на глубине 13 — 15 метров и сбор сырья может быть произведён только в определенный период. За 100 погружений удаётся собрать до 300 граммов сырого материала, что составит всего 30 граммам чистого волокна, пригодного для производства примерно 20 метров нити. Кьяра Виго досконально знает процесс изготовления этого прекрасного и аристократического волокна, требующего многоэтапной обработки. Сначала весь собранный материал высушивается, очищается от мусора, тщательно прочёсывается специальным гребнем несколько раз; потом биссус оставляют в пресной воде в течение 25 дней, которая меняется каждые 3 часа, после чего волокно обретает янтарно-золотистый цвет; затем нити вымачиваются в лимонном соке, что позволяет им обесцветиться. На заключительном этапе нити переносятся в секретную смесь из 15 водорослей, что делает их мягкими, эластичными, но очень прочными. Кьяра Виго обладает также уникальной технологией окрашивания нитей «морского шелка». Она способна воспроизвести 124 цветовых оттенка, применяя только натуральные ингредиенты: экстракт из листьев, корней, ягод, кожуры лука, цитрусовых… Когда пряжа готова, Кьяра приступает к работе, используя старинный ткацкий станок, доставшиеся ей от бабушки, вплетая в каждое новое творение не только нить «морского шелка», но и душу, семейные секреты и молитвы. Для базы в своих работах мастер использует натуральные материалы такие, как хлопок, лён и следует античным традициям. Главные персонажи на её полотнах — львы, птицы, павлины. На создание одного произведения размером 7 x 28 см у мастера ушло около семи лет! На сегодняшний день «морской шелк» является самым редким и ценным материалом в мире текстиля. Кьяра пока не решила кому передаст свои знания. Она говорит, что неважно, будет ли это её дочь или один из учеников. Главное, чтобы приемник имел истинную страсть к продолжению её мастерства для будущих поколений. Являясь кандидатом в список нематериального наследия человечества ЮНЕСКО, волшебница шёлковой нити дарит свои работы в различные музеи мира (Лувр, Британский Музей, Национальный Музей в Вашингтоне), и выставляет их на многочисленных экологических выставках, где непременно получает награды, призы и восхищение посетителей. Возможно, Кьяра Виго подарит одну из своих работ в музей России. Речь идёт о репродукции иконы Владимирской Богоматери, которую мастер вышивает биссусовой нитью. С 2005 года в городе Каласетта открыт музей «Museo del Bisso», где можно не только увидеть уникальные произведения мастера, но и вооружившись терпением понять, что это непросто профессия, а истинное искусство, наполненное теплом южного солнца и запахом моря Италии.

Ремёсла Италии: Искусство Рождественского вертепа из Неаполя

Презепе (presepio) по-русски вертеп — изображение сцены Рождества Христова. Создание вертепов в Италии имеет многовековую традицию. Первое упоминание о них в Неаполе исходит к 1021 году, о чем имеется нотариальный акт записи о церкви Santa Maria «ad praesepe». В XV веке появляются вертепы, созданные из скульптурных фигур. Среди них следует отметить, в частности, работу неаполитанских мастеров Джованни и Пьетро Алеманно (Giovanni & Pietro Alemanno), что в 1470 году создали персонажи, выполненные из дерева в натуральную величину, представляющие сцену Рождества Христова. Золотой период искусства создания вертепов наступает в Неаполе в XVIII веке, благодаря покровительству короля Неаполя и Сицилии Карла III Бурбона и его супруги Марии Амалии. Во времена его правления мастерство вертепов достигло всего великолепия стиля «барокко» и переросло в ремесло. Появились мастера, изготовляющие фигурки, которым придавалась максимальная схожесть с реальными персонажами: тело конструировалось из проводов и обматывалось коноплей, лица и конечности – из натуральной обожженной глины (терракоты), воска или дерева; художники, которые их расписывали, а также портные, шившие одежду из знаменитого шёлка San Leucio, обогащая её отделкой из вышивки, бантами, шевронами, ленточками из золота или серебра, с украшениями из натуральных камней. Композиция традиционного вертепа состоит из двух частей: базы – места расположения и, непосредственно, самой сцены рождения Христа, воплощенной в миниатюрных фигурках. Именно поэтому, существуют два различных вида работ при создании произведения: подготовка места и заполнение его персонажами и, зачастую, эти работы выполняются разными мастерами, работающими совместно. Первоначально место вертепа исполнялось в виде грота, с использованием только натуральных материалов (кора дерева, камни, мох). Чтобы сценки рождественского вертепа стали ближе и понятнее простым людям, действие перенесли в более привычные для них условия. Так, база для вертепа из грота переместилась на улицу города. Натуральные материалы были дополнены современными технологиями. Для воспроизведения стен начали использовать полистирол, из гипса формировать наличное оформление и мелкие детали. На замену дорогостоящим материалам пришли более дешёвые: папье-маше, проволока, обмотанная паклей и скрытой одеждами разнообразного покроя, — только головы и конечности попрежнему выполняются из дерева или глины. Теперь они расписываются маслеными, а зачастую, акриловыми красками. При создании вертепа уделяется особое внимание к наибольшему приближению миниатюры к реальности. В ход идут материалы, казалось бы, совершенно неприемлемые в искусстве, но в создании вертепа, просто необходимые (например, для изготовления дверных ручек используются металлические крючки от старых ботинок!). По мере распространения искусства вертепа в массы в сцены с традиционными библейскими персонажами добавились знакомые всем фигурки крестьян, рыбаков, пекарей, столяров, прачек, посетителей таверн. Создаются вертепы больших размеров с количеством персонажей доходящим до сотни и совсем миниатюрные, умещающиеся в светильниках, старых лампочках, в раковинах мидий. Главной технической новинкой таких фигурок стали подвижные соединения частей тела. Используя поворотные и сгибающиеся элементы и меняя таким образом позы персонажей, переодевая их в разные одежды, появилась возможность создавать бесконечное число жанровых мизансцен. В современных вертепах часто используется электричество от аккумуляторных батареек. Освещенные светом окна, фонтаны, со струящейся из них водой и двигающиеся персонажи предают вертепу больше жизненной достоверности, что приводит публику в восхищение! В настоящее время в Неаполе, творчество создания пресепи объединяет почти четыре сотни мастеров. Помимо многочисленных мастерских, работающих для массового производства, сохранились те, где по-прежнему применяют старинную технику создания вертепов XVIII века. Традиция жива благодаря ремесленным семьям, в которых мастерство передаётся из поколения в поколение, где по сей день следуют технологии предков, применяя идентичные тому времени материалы и инструменты. Enzo Capuano, Marco Ferrigno, Salvatore Gambardella, Giuseppe Ercolano, Genny Di Virgilio, Salvatore Anastasio — вот некоторые из тех немногих, кто по-прежнему принадлежат к семьям основателей стиля «Terracotta Napoletana» 800-х годов, которых еще называют «пастырями», строго следующим традициям древнего искусства ручной работы — создания неаполитанского вертепа, вкладывая живую душу в каждую статуэтку. В начале девяностых годов для популяризации неаполитанского искусства была создана «Итальянская Ассоциации друзей вертепов» (Associazione Italiana Amici del Presepio), которая с огромным успехом проводит выставки по всему миру. В Неаполе, в Национальном музее Сан-Мартино можно поистине насладиться лучшими образцами искусства неаполитанского вертепа, собранных из частных коллекций, подаренных музею итальянской общественностью. Жемчужиной экспозиции является произведение инсценировки божественного чуда из церкви San Giovanni a Carbonara, скульпторов Pietro & Giovanni Alamanno (дар Michele Cuciniello в 1879 г.), состоящая из 800 предметов: 160 персонажей, 80 животных, 28 ангелов и множеством миниатюрных объектов. Традиция создания неаполитанского вертепа, являясь настоящим произведением искусства, распространилась далеко за пределы Италии и стала одним из главных рождественских ритуалов католического мира.  

Ремёсла Италии: Майолика из Урбино

  Керамика майолика (Maiolica) в Италию была привезена с острова Майорка (Испания) генуэзцами в 1115 г., в качестве военного трофея. Для итальянских мастеров гончарного дела это послужило отличным образцом для начала собственного производства, которое к тому времени ни чем особенным не отличалась. С конца XIV века искусство майолики начинает развиваться и достигает наивысшего блеска в 1500-1525 годах. Именно в период эпохи Возрождения ремесло керамики раскрылось в полную меру в городе Урбино, что впоследствии способствовало сохранению лидерства в майоличном производстве вплоть до XVI века. Благодаря покровительству урбинского двора, в частности, герцога Francesco Maria I della Rovere, производство начало развиваться не только в Урбино, но и других городах герцогства: Урбании, Пезаро,  Асколи-Пичено (Urbino, Urbania, Pesaro, Ascoli Piceno). Мастера Урбино не только расширили производство, но и пошли своим путём, изменив внешний облик майолик, заменив орнаментальные украшения на сценическую живопись, где главными персонажами стали люди. Этот способ росписи получил распространение на всей центральной территории Италии и применялся во многих мастерских. Изделия, выходящие из рук мастеров, уже имели не только потребительную стоимость, но и стали подлинными предметами искусства; гончары при росписи предметов использовали гравюры итальянских мастеров высочайшего уровня, среди которых: Raffaello, Marcantonio Raimondi, Agostino Veneziano, Marco Dente, Jacopo Caraglio. Наивысшего уровня мастерства достигли ремесленники: Nicola da Urbino, Guido Durantino e Guido di Merlino, Francesco Xanto Avelli и другие. Большинство итальянских майолик подробно подписывались на обратной стороне с указанием наименования сюжета, места изготовления, даты и подписи мастера. Для создания изделий используется пористая глина, которая подлежит, после предания ей задуманной формы, двойному обжигу при температуре 900 -1000 ° С.  Изделие от начала до конца создаётся вручную. Современные итальянские майолики являются или абсолютно точными, или более или менее свободными воспроизведениями старых образцов. Города, продолжающие сохранять традиции итальянской майолики объединены в Ассоциацию итальянских городов керамики (l’Associazione Italiana Città della Ceramica). Для того чтобы не потерять эту древнюю художественную традицию, в регионе Марке, в городах: Urbino, Pesaro, Urbania, Fano, Fratte Rosa, Casteldurante постоянно организуются образовательные поездки для изучения техники гончарного производства и уникальной росписи, что является возможным благодаря новым мастерским, которые по-прежнему  создают керамические изделия майолики с необычайным богатством цвета. В каждом из этих городов есть свой музей керамики, где можно полюбоваться лучшими экспонатами, произведёнными с XIV века по наши дни. Museo delle Ceramiche di Pesaro является одним из важнейших в мире. При музеях открыты лавки-мастерские, где можно увидеть работу ремесленника и купить приглянувшиеся изделия. Работы современных мастеров итальянкой майолики приобретают важнейшие художественные галереи мира, они выставляются на самых известных ярмарках как в стране, так и за рубежом, способствуя развитию культуры и туризма Италии.

Ремёсла Италии: Фарфор «Каподимонте» из Неаполя

Фарфор «Каподимонте» из Неаполя —  (Porcellane di Capodimonte di Napoli).   Первые образцы изделий из фарфора были завезены в Европу из Китая в XIII веке, благодаря путешественникам, таким как Марко Поло. Италия, как и вся Европа удивлённо смотрела на привезённые изделия в полной неспособности имитировать их. Первые результаты были достигнуты только в XVI веке во Флоренции, где химикам лаборатории Франческо I Медичи, в 1575 году, удалось получить тип мягкой пасты фарфора, известного именно как фарфор Медичи: несовершенный на техническом уровне (наличие пузырей, трещин и т. д.). Спустя столетия интерес к производству фарфора зародился и у короля Неаполя и двух Сицилий Карла Бурбона, когда в 1738 году он женился на Марии Амалии Вальбург из Саксонии, внучке Августа Сильного, который уже в 1710 году основал первый фарфоровый завод в Европе в городе Мейсене. Король увлечённо следит за развитием производства фарфора у ближайших соседей и в 1743 году открывает собственную фабрику (Real Fabbrica Capodimonte), куда приглашает на работу известных мастеров и художников со всего мира. Примерно через три года, химику Ливио Витторио Шеперс (Livio Vittorio Schepers) удалось определить наиболее подходящую формулу смеси для производства фарфора. За создание образцов изделий отвечал художник с утонченным вкусом Джованни Каселли (Giovanni Caselli), за лепку — скульптор Джузеппе Гричи (Giuseppe Gricci). Именно эта триада людей создала славу фарфора фабрики Capodimonte.Уникальный мягкий фарфор южной Италии отличался от северного европейского тем, что в его составе отсутствовал каолин, именно так он получался более нежным, «бисквитным». Производство росло с каждым годом. Количество первоклассных мастеров превысило  более полусотни. Ассортимент выпускаемых изделий постоянно расширялся, становясь более совершенным по форме и оформлению. Выпускались чайные и кофейные сервизы, табакерки, статуэтки, вазы, чернильницы, канделябры, ручки на трости и т. д. В 1745 году в Неаполе был открыт первый магазин. Выпускаемые изделия продавались маркированными товарным знаком: Бурбонской лилией (период 1743-1759 часто голубого цвета, реже золотого). В 1759 году Карл отправился завоевывать Испанию и будучи уверенным в победе, на трех кораблях вывез с собой художников, рабочих, оборудование и почти 5 тонн материала. В стенах фабрики, было уничтожено все, что могло раскрыть секрет — от печей до осколков фарфора. Но его сын Фердинанд IV, захотел возобновить традицию, заново открыв фабрику (Real Fabbrica Ferdinandea) в 1773 году. Таким образом, начался новый этап производства, и последующие двадцать лет стали очень продуктивными, качество изделий было доведено до совершенства. Расцвет производства завод достиг с Доменико Венути (Domenico Venuti), под чьим руководством была создана художественная школа и началось производство матового фарфора, до этого времени изделия покрывались глазурью. Поменялся и товарный знак, который в период 1771-1787 годов обозначался сначала короной, затем к ней добавилось изображение латинской буквы «N», в честь города Неаполя. Когда в 1806 году юг Италии был захвачен Наполеоном и королем Неаполя стал его брат Жозеф Бонапарт, фабрику ожидал быстрый и печальный финал. Казалось, что итальянский фарфор закончил свою историю навсегда. Но память о великолепных творениях настоящих мастеров осталась, и с середины девятнадцатого века в Неаполе воссоздаются первые ремесленные фабрики, в основном семейные (Fratelli Majello, Mollica, Cacciapuoti, Visconti, Freda, Stile, De Palma, Carusio, Savastano), некоторые из которых существуют до сих пор. На протяжении нескольких поколений они работают в области производства художественной керамики и фарфора.  Мастера продолжают традиции старинного ремесла, обогащая их оригинальными решениями, реализмом и индивидуальной трактовкой. Производство роскошных столовых приборов, статуэток, бонбоньерок зачастую с декоративным цветочным стилем, который до сих пор представляет собой основу производства неаполитанской керамики, известной во всем мире как «Каподимонте». Работа мастера над созданием произведения, как и в давние времена, начинается с вдохновения, с идеи, и поэтому он первым делом рисует на бумаге будущий объект. Как правило, ремесленник является в одном лице и художником и скульптором. Сначала мастер наливает фарфор в жидком виде в гипсовую форму и оставляет на некоторое время для подсушки, таким образом, получает сырую заготовку. Теперь начинается этап отделки и художник становится скульптором, который вручную лепит и соединяет все детали объекта, после чего следует обжиг при температуре 1250 градусов. Новое превращение из скульптора в декоратора и продукт расписывается красками. Затем проводится следующий обжиг при температуре 750 градусов, чтобы зафиксировать цвет. Главными инструментами мастера являются его руки и талант. В Неаполе, в Museo nazionale di Capodimonte представлены наиболее значимые произведения из фарфора Каподимонте, на которых характерно отслеживаются традиции неаполитанской культуры и развитие ремесла. Кроме того работы мастеров фарфора представлены в значительных количествах в музеях мира: Милане, Франкфурте, Нью-Йорке, Токио, Москве и Париже. Для продолжения древних традиций ремесла в Неаполе с 1961 года открыт Институт «Джованни Каселли»(L’Istituto di Istruzione Superiore “Giovanni Caselli”). 20 марта 1987 года Институт  Каселли  запатентовал логотип с изображением Лилии Бурбона, а также слова «Giovanni Caselli — Capodimonte», которые использует для выпуска продукции. Клеймо и слова могут использоваться как вместе, так и отдельно друг от друга. Фарфор Каподимонте – самый высокий и совершенный пример в области художественной керамики, производимой в Италии и является одним из ярчайших представителей традиционного ремесленного искусства, высоко оценённого в мире за мастерство исполнения, тщательное выполнение деталей и долговечность красок

Ремёсла Италии: Мозаика из Флоренции

Искусство мозаики является одним из древнейших. Есть много типов её выражения, от греческого до византийского, от римского до флорентийского: каждый со своими особенностями, но все с вечной привлекательностью и завораживающей воображение работой ремесленника. Первые образцы мозаики с использованием природных камней датируются периодом до нашей эры и берут свое начало с Ближнего Востока и Древнего Египта. Свидетельством этого являются творения древневосточных мастеров: дошедшие до нас персидские шкатулки необычайного изящества и инкрустированный мозаичными элементами знаменитый трон фараона Тутанхамона. В Италии основным заказчиком мозаичных работ являлась католическая церковь, и поэтому древнейшие образцы этого искусства относятся к византийскому периоду о чем свидетельствуют сохранившиеся убранства в храмах на острове Сицилия в городах: Палермо (церковь Santa Maria dell’Ammiraglio), в Монреале (собор Duomo di Monreale), Чефалу (собор Duomo di Cefalù); на севере Италии в городе Равенне (La Cappella del Palazzo Arcivescovile), на венецианском острове Торчелло (La basilica di S.Maria dell’Assunta). Наивысшим образцом данного вида искусства поправку считается флорентийская мозаика (живопись из камня), получившая название от имени города своего возрождения. Высочайший уровень развития ремесло получает в середине XVI века с покровительством семьи Медичи, когда в 1588 году Фердинанд I организовал обучение по производству художественных работ с полудрагоценными камнями в мастерской  Opificio delle Pietre dure. Капелла флорентийских князей (Cappella dei Principi) в Соборе San Lorenzo во Флоренции явила собой первый пример работы данной мастерской, выполненной в технике флорентийской мозаики из мрамора с инкрустацией полудрагоценными камнями. Данный вид мозаики представляет собой создание картин, используя различные виды минералов и камней. При этом не используются заранее подготовленные мозаичные чипсы, а вырезаются индивидуальные пластины, требуемых форм и размеров. Применяемая техника «сплочение» происходит от латинского committere, и по-итальянски – commesso, которая предполагает особо точную подгонку отдельно вырезанных из камня пластин при составлении задуманного рисунка. Работы выполняются без малейшего видения шва, чтобы создать эффект целостной картины. При этом вырезанная из материала заготовка толщиной в 2-3 мм, подбирается исходя из нужного цвета, с учетом естественной текстуры камня, степени его прозрачности, плотности, с использованием природного рисунка материала. Например, для изображения цветка выбирается материал, имитирующий не только его структуру и цвет, но и оттенок при игре света. Работа в технике флорентийской мозаики производится только вручную, с использованием уникальных инструментов, при этом применяются всевозможные виды мрамора, натуральные минералы и полудрагоценные камни: халцедон, яшма, лазурит, малахит агат, оникс, порфир, тигровый глаз, аметист, гематит, авантюрин, горный хрусталь, перламутр, коралл и т. д. В итоге из рук мастера выходит творение с захватывающим эффектом красоты, с неограниченной во времени долговечностью получившегося результата. Предъявляемые требования к изделиям с флорентийской мозаикой являются более строгими, чем к любой другой форме изобразительного искусства. Ошибки здесь просто не допустимы! Произведения, выполненные в технике «коммессо фьорентино» из Италии востребованы и по сей день. Современная мозаика ни сколько не уступает по колориту и красоте творениям, созданным профессиональными мастерами прошлого. Сохранению уникального искусства способствует то, что Министерство культурного наследия и туризма, поддерживает институт Opificio delle Pietre Dure, который занимается научно-исследовательской деятельностью и профильной реставрацией произведений живописи из камня на территории Италии и во всем мире. Руками мастеров, работающих в нём были возвращены к новой жизни сотни творений, многие из которых являются объектами мирового наследия. В конце 80-х, в Opificio delle Pietre Dure проходили специализацию российские реставраторы, с целью получения практического опыта по восстановительным работам в технике флорентийской мозаики. Полученные знания были использованы при реставрации повреждённых после войны инкрустаций знаменитой Янтарной комнаты в Екатерининском дворце музея-заповедника «Царское село». На севере Италии, в городке Спилимберго (Spilimbergo), в регионе Фриули-Венеция-Джулия находится известная на весь мир школа мозаики, в которой ведётся обучение традициям техники commesso, где всегда ищут молодые таланты и новые стилистические решения. Во Флоренции сохранились мастерские, которые по-прежнему работают в этой уникальной технике, продолжая традиции, создавая магические произведения с ослепительной игрой цвета и непревзойдённым мастерством. Техника жива также благодаря ремесленным семьям, в которых мастерство передаётся из поколения в поколение, где по сей день следуют технологии предков, применяя идентичные тому времени инструменты. Семьи: Scarpelli, Ugolini, Traversari, Greco – вот некоторые из тех немногих, кто по-прежнему продолжают творить в технике «коммессо фьорентино». Мастерство ювелирной работы ремесленника, создающего произведения искусства, сохраняющие в себе вековые традиции, свято сохраняется и продолжает развиваться, внося свой вклад в укрепление имиджа Италии. Творения мастеров, работающих в традиционной технике «живописи, застывшей на века», ценятся на уровне подлинников классического искусства и являются истинным украшением коллекций лучших музеев Италии и мира.

Ремёсла Италии: Искусство работы с кораллами и гравировка камей в городе Торре-дель-Греко

Искусство работы с кораллами и гравировка камей в городе Торре-дель-Греко (провинция Неаполь, регион Кампания).    Древнее искусство работы с кораллами и гравировки камей восходит к 1400 году, когда жители городка Торре-дель-Греко (torresi), в поисках кораллов «золотой губки» обошли воды Средиземноморского бассейна, достигнув Корсики, Сардинии, Сицилии, Алжира и Туниса.   Торре-дель-Греко (Torre del Greco) — город, находящийся между вулканом Везувий и Неаполитанским заливом, с населением 86000 человек.   Благодаря ремесленникам и ювелирам, свято хранящим традиции мастерства, пережившего много несчастий (разрушительные извержения Везувия в 1631 и 1794 годах) делает этот город главным центром данного производства не только в Италии, но и в остальной части Европы и в мире, достойно конкурирует с другими крупными центрами, такими как: Трапани, Генуи, Ливорно и Марселя.  На протяжении тысячелетий, при торговле между Востоком и Западом, «красное золото», на ровне с шелком и пряностями, служило оплатой за ценные восточные товары.   По сей день, главной отраслью экономики города остаётся производство украшений из кораллов и морских раковин, в частности камей. В этой индустрии занято почти все население района. Уникальное мастерство бережно охраняется и традиционно передается по наследству от отца к сыну. Прогуливаясь по улицам городов региона Кампании, можно встретить огромное количество больших магазинов и маленьких лавочек, торгующих ювелирными изделиями из даров моря, и поэтому данный вид ювелирных изделий издавна является визитной карточкой Неаполя и всего района.   В настоящее время, также, как и в античные времена, мастера в Торре-дел-Греко работают тем же методом, что их давние предки, то есть исключительно вручную.  Работы производятся с ювелирной точностью и только опытный взгляд мастера способен увидеть, что именно может получиться из той или иной ветки коралла или морской раковины. В основе этого древнего ремесла находятся сильная воля и большое уважение к традициям ювелирного искусства. Изделия, выходящие из рук настоящих ювелиров, имеют большой престиж и ценность. Одними из самых известных мастерских данного промысла являются: Ascione, Apa, Liverino, De Simone. Именно они сделали это искусство известным мировым брендом.        В Неаполе, в Galleria Umberto I, открыт музей «Coral», в котором представлены различные типы кораллов и морских раковин, а также более 300 самых значительных творений знаменитых мастерских Торре-дел-Греко периода с девятнадцатого века до наших дней. Представленная экспозиция собрана не только из даров и приобретений музея, но и работ студентов и преподавателей художественного института. За мастерство обработки кораллов и гравировки камей город Торре-дел-Греко номинирован на включение в список нематериального наследия ЮНЕСКО, что безусловно будет способствовать мировому признанию красоты данного искусства.