Культура

Ремёсла Италии: Венецианские маски

Маска (итал. maschera), пришедшая в Италию с востока, в переводе с арабского «mascharà» означает насмешка, издёвка.   С незапамятных времен маски являлись одним из характерных и незаменимых элементов для скрытия человеческого лица в ходе религиозных церемоний. Принято считать, что история венецианской маски берет начало с 1268 года, после выхода закона с правилами и ограничениями её использования. Когда в 1296 году Сенатом Республики (Serenissima Repubblica) Венецианский карнавал был объявлен праздником перед Великим постом, началось массовое изготовление масок.   Начиная с Xlll века, история производства карнавальных масок начинает официально документироваться. Также в этот период появляются первые инструменты для обработки глины, папье-маше, гипса и марли. Ремесло переходит на новый художественный уровень развития. Создаются творческие маски с рисунками, вышивкой, бисером, тканями, лентами, кружевом, перьями.   Мастера, делавшие маски, назывались «maschereri» и с 1436 года им был присвоен статус живописцев. Потребность в масках была настолько велика, что их начали производить «в черном» секторе. Производство стало таким интенсивным, что к 1773 году в Венеции насчитывалось 12 официальных магазинов для их продажи. В городе зарождается и  развивается настоящая индустрия карнавала.   Маски в Венеции были настолько популярны, что к середине XVI века в моду входят маскированные театральные представления, сначала в частных домах, а затем и в больших театрах. Они имели огромный успех, способствуя развитию истинно профессионального сектора и созданию  известных на весь мир именных масок итальянской комедии Дель Арте (commedia dell’arte) — комедия масок: Арлекин, Коломбина, Педролино, Пульчинелла, Пьеро, Бригелла, Дзанни и другие персонажи, каждая из которых отличалась определенным характером и стилем.   Современные мастера бережно сохраняют древнее искусство. Высокохудожественные маски изготавливаются вручную из папье-маше, в соответствии со старой традицией. Техника работ с годами не поменялась, но современные художники, используя опыт прошлого, добавляют в их производство собственный талант и новые знания. Мастер «maschereri» обладает художественными навыками скульптора, художника, стилиста. Для создания новой модели венецианской маски, в первую очередь, изготавливается глиняная модель. Это самая творческая часть работы, которая может длиться от нескольких часов до нескольких недель. На практике для каждой маски создаётся индивидуальная форма.   Затем скульптура обливается слоем разведённого с водой алебастрового порошка. Примерно через 90 минут, после полного высыхания, с большой осторожность, отделяют полученную гипсовую маску. Следующим шагом является создание своего рода «кашицы». Её приготавливают из замоченных в горячей воде мелких кусочков бумаги, которые перетирают в ступке до однородного состояния (отсюда и название «cartapesta»). После этого в смесь добавляют клей или клейстер, получая идеальный материал для будущей маски. Чтобы ускорить этот трудоёмкий процесс, современные ремесленники применяют блендер.   Теперь гипсовую маску смазывают вазелином и наполняют приготовленной массой (папье-маше). Пальцы мастера являются единственным действительно подходящим инструментом для этой работы, особенно если модель сложная.   Как только «кашица» полностью высохнет (это может занять более 24 часов), мастер извлекает маску из гипсовой формы. Эта техника является результатом многовекового опыта, которая позволяет получить идеально гладкие маски без «морщин», отлично подходящие для самых утончённых работ.   Теперь в маске вырезают место для глаз и подготавливают для последующей раскраски и декора. Для этого на лицевую сторону наносится слой белой акриловой темперы.  После её полного высыхания приступают к оформлению маски. Это медленный и кропотливый процесс, с использованием многочисленных материалов и разновидных техник. На данном этапе творчеству мастера нет границ и всё зависит только от его фантазии.   В Венеции по сей день над созданием масок трудятся многочисленные мастера высочайшего уровня. Сохраняя древнее искусство, они вносят вклад в процветание ремёсла, приносящего радость людям и мировую известность стране.   К сожалению, в Венеции нет ни одного музея, представляющего данное ремесло, но каждый художник, создающий маски для продажи, имеет свою мастерскую (La Bauta, Atelier Marega, Ca’ Macana, Ca’ del Sol, Fratelli Sergio e Massimo Boldrin, La Bottega dei Mascareri и др.), куда всегда можно заглянуть и получить море эмоций.   Стоимость маски ручной работы, выполненной по многовековой традиции венецианского карнавала и подтверждённой сертификатом гарантии качества и происхождения, может превышать тысячу евро.   Венецианская маска — это путешествие во времени, начавшееся с XIII века до наши дней, от примитивных до самых современных техник и художественных достижений — это искусство, являющееся неотъемлемой частью Венеции, полное традиций великолепия Венецианского карнавала!    

Итальянские ремёсла: Керамика буккеро из Губбио

Губбио (Gubbio) — коммуна в Италии, расположенная в провинции Перуджа (Perugia), в регионе Умбрия (Umbria), где до наших дней сохранилась уникальная техника производства чёрной керамики — буккеро. Происхождение этого типа керамики очень древнее и относится к этрусской эпохе. Буккеро (bucchero) происходит от португальского слова «bucaro», что означает «благоухающая земля» — вид полностью чёрной, глянцевой с внешней стороны керамики. Этруски изготовляли изделия из чёрной керамики для повседневного обихода, но дошедшие до нас древние артефакты, поражают мастерством создавших их рук. В середине VII века до н. э. мастерились разнообразные сосуды, названные «Bucchero sottile». Они отличались тонкостью стенок и высеченным рисунком с геометрическими элементами, с изображениями реальных и фантастических животных, воинов, колесниц. В начале V в. до н. э. появилась посуда со своеобразными формами, отяжелённая сложными рельефными орнаментами — «Bucchero pesante». В 1444 году в некрополе храма Юпитера, при проведении археологических раскопок, были найдены Игувинские таблицы (III-I вв. до н..), написанные на смеси этрусского и умбрского языков, что свидетельствует об общих корнях племен, занимавших территорию современной Умбрии. От этрусков здешние ремесленники переняли многое, в том числе знание техники изготовления керамики.   В конце XIV начале XV века ремесло керамистов сформировалось в четырёх крупных центрах Умбрии: Дерута (Deruta), Гуальдо-Тадино (Gualdo Tadino), Орвието (Orvieto), Губбио. Техника производства буккеро наделала много путаницы, настолько, что в известной книге Эмилио Камерини (Emilio Camerini) описано 6 возможных методов. В начале 900-х годов, уроженец здешних мест, маркиз Полидоро Бенведути (Polidoro Benveduti) заново воспроизвёл древнюю технику изготовления чёрной керамики, и теперь можно сказать, что Губбио по праву является итальянской столицей буккеро.   Древнее искусство, к счастью, не было потеряно, что даёт возможность восхищаться им сегодня. Чтобы не утратить оригинальность продукта, местные ремесленники решили строго следовать классическому процессу производства буккеро. В Губбио, по сей день, прослеживается сильная связь с традициями прошлого, и мастера стремятся максимально защитить это наследие, сохранив ценное ремесло для региона Умбрии и всей Италии.   Буккеро — уникальный продукт, создаваемый мастерами керамики из мелкозернистой глины редкой чистоты, обогащенной оксидом железа. Техника буккеро позволяет придавать изделиям черный цвет и красивый глянец. Изделия, созданные с её применением, элегантны, имеют изящную форму и уникальную поверхность, что в сочетании с украшением золотом и платиной делает их истинными произведениями искусства.   Для воспроизведения формы будущего сосуда используется гончарный круг и специальные штампы. После чего мастер тщательно обрабатывает поверхность изделия деревянной планкой из самшита, затем наждачной бумагой. Чтобы предать объекту более привлекательный вид, на его поверхность наносится рисунок с помощью металического наконечника, наполненного жидким золотом. Далее форма помещается в специальную, герметично закрытую печь; обжиг осуществляется при температуре достигающей 900 ° в течение 12 часов. Сгорающий уголь производит дым, который при высокой температуре проникает в пористую структуру керамики и окрашивает её в чёрный цвет. Под воздействием температуры глина переходит в стеклообразное состояние, получается очень твёрдой и гладкой, похожей на металл. После охлаждения продукт очищается и окончательно  полируется мягкими тканями.   Керамика, произведённая в технике буккеро, и сегодня является жемчужиной Губбио. Мастера создают предметы домашнего убранства: кувшины, вазы, амфоры, базы для настольных ламп, словом всё то, что можно добавить в интерьер дома, придав ему изысканный уют. Эти работы выполнены как точные копии этрусских моделей, так и с элементами современного дизайна.     В самом сердце Губбио располагается «La Fornace del Bucchero» – ремесленная мастерская, с 1825 года производящая изделия высокого художественного уровня в этрусском стиле, а в исторической лаборатории Антонио Росси (Antonio Rossi), передавая мастерство искусства из поколения в поколение, в старой печи создаются детали и готовые изделия в технике буккеро изысканного современного дизайна. В Муниципальном музее, занимающем здание Palazzo dei Consoli, есть раздел, посвященный исключительно производству керамики буккеро в Губбио. Представленная экспозиция рассказывает историю развития мастерства.

Ремёсла Италии:Искусство обработки дерева в Сутрио

Сутрио (Sutrio) — коммуна в регионе Фриули-Венеция-Джулия, в провинции Удине. Аутентичная деревня (borgo) Сутрио расположена на высоте 570 м на территории Карния (Carnia) – старинной и свободолюбивой области в Альпах, бережно хранящей свою историю и традиции. Вот уже более двух тысячелетий здесь живёт гордый народ, по сей день соблюдающий горские обычаи, известный на весь мир своими мастерами в обработке и резьбе по дереву.   Многовековая традиция издавна прославила эти места: умелые плотники и резчики по дереву передают наследие из поколения в поколение, сохраняя  способность создавать из простого сырья настоящие произведения искусства.   Карнию называют «pais di marangons» , что означает страна плотников, а очаровательную деревушку Сутрио — столицей деревянного искусства Италии. Традиция ремесла в Сутрио имеет глубокие корни. В высокогорной части Италии зима довольно продолжительна и, учитывая неэффективность сельского хозяйства, продиктованную климатическими невзгодами и изобилие лесов, мужская часть населения посвятила себя мастерству создания мебели, домашней утвари, скульптур и барельефов и уникальных произведений из дерева.     Сначала 700-х годов изделия из мастерских Сутрио украшали дома венецианских и удианских дворян, дворцы и церкви . К середине XVIII века в долине Горто (Canale di Gorto), насчитывалось девять лесопильных заводов и множество мастерских, в стенах которых создавались уникальные декоративные гравюры и аксессуары для мебели, в которых, порой, стиралась граница между искусством и мастерством. Пришедшие из Сауриса драгоценные артефакты: знаменитые деревянные туфли (zoccoli) и карнавальные маски, выполненные ремесленниками из дерева клена и ольхи, по сей день поражают мастерством.   Произведения здешних ремесленников отличаются точностью и вниманием к деталям, искусным дизайном и мастерством исполнения. Ярким примером этого является Пресепио ди Тено (Presepio di Teno), в создание которого Гауденцио Страулино (Gaudenzio Straulino) — мастер из Сутрио, вложил 30 лет (1805-1988) кропотливого труда. Работа ремесленника является не только Рождественским вертепом на библейскую тему, а произведением в миниатюре повседневной жизни альпийской деревни. Дома, церкви, магазины, мельницы, лесопильные заводы, горные хижины, обитатели — всё выполнено с учётом  мельчайших  деталей традиционных обычаев, оживленных механическими устройствами. К многовековым традициям прошлого помимо искусного использования рук, сегодня  добавлены сложные и современные технологии, позволяющие усовершенствовать ремесло плотников и резчиков по дереву. Дерево всегда является главной составляющей жизни района и, не случайно, каждый год в сентябре в Сутрио проходит фестиваль «Магия дерева» (Magia del legno) . По этому поводу деревня трансформируется в город мастеров, где десятки плотников и резчиков из Италии и других стран, демонстрируют перед публикой своё мастерство, в сопровождении волшебных альпийских мелодий аккордеона. На территории Карнии есть несколько музеев, позволяющих лучше понять значимость ремёсла по обработке дерева в этом районе: Музей дерева в городе Оваро (Museo del legno di Ovaro) и Эко-музей в Пауларо (Ecomuseo di Paularo).  

Ремёсла Италии: Искусство создания марионеток «Пупи» с острова Сицилия

Древнее искусство, использования кукол во время проведения религиозных ритуалов и обрядов, зародилось в древней Греции и относится к VIII веку до нашей эры. Греческая традиция укрепляется и неизмеримо расширяется в Древнем Риме. В Римской империи театры марионеток были зрелищем весьма популярным. Обычно представления давались практически или совсем бесплатно, собирая огромное количество зрителей. В эпоху Возрождения (1545 год) в Венецианской республике кукольные представления получают новое выражение в «Commedia dell’Arte» — вид итальянского народного (площадного) театра. Спектакли давались как актерами, так и с использованием марионеток. Артисты кочевали по всей территории Италии с севера на юг, постоянно обогащая репертуар новыми историями и персонажами. Первые передвижные кукольные представления на Сицилии появились в XVI веке и восходят к традициям «кунтастори», так сицилийцы называли подобного рода уличных рассказчиков. В начале XIX (1835) в городе Катании был открыт первый театр марионеток, более известный как Опера деи Пупи (Opera dei Pupiх от латинского «pupus», что значит «малыш»). Кукловоды, они же являлись и рассказчиками историй, основанных на средневековых и других рыцарских библиографических источниках, таких как итальянские стихотворения эпохи Возрождения, жизнь святых и истории известных бандитов. На протяжении веков сицилийские марионетки, умело одушевлённые поколениями создававших их мастеров — кукловодов, были единственным источником образования и одной из немногих возможностей для отдыха и развлечений, как для неграмотных простолюдин так и буржуазии. Театры марионеток зачастую являлись семейными династиями, где объединялась работа художника, скульптура, плотника, конструктора, портного, кузнеца. Кукловоды постоянно пытались превзойти друг друга в мастерстве, тем самым способствуя развитию ремесла. Главными героями спектаклей были благородные рыцари, бесстрашные воины, прекрасные дамы, служители церкви. Чтобы иметь возможность собирать зрителей каждый день, история рассказывалась по частям и могла продолжаться целый год! Для этого постоянно создавались новые герои и их количество порой доходило до 200 персонажей. Современные сицилийские марионетки ничуть не отличаются от своих предшественников, изготовленных в XVI веке. Они, как и прежде, полностью изготавливаются вручную и воспринимаются как живые. На Сицилии существуют две основные школы этого вида искусства: в городе Палермо (рост куклы от 45 до 70 см, с весом до 15 кг.), влияние которой распространено в западной части острова; и городе Катания (размеры марионеток от 80 см. до 1,4, с весом  до 35 кг.), имеющей распространение, в основном, в восточной части острова, а также в регионе Калабрия. Две традиции различаются не только по размеру и весу кукол, а также некоторыми аспектами механики и системой маневрирования, но прежде всего театральной концепцией представления. Используя полученные от предков древние приемы старых мастеров, современные создатели кукол, как и прежде называемые «Pupari», со всей страстью продолжают их дело, скрупулезно следуя традициям. Основная структура кукол состоит из трех материалов: дерева, металла и ткани. Первые куклы — марионетки выполнялись из почти бросовых материалов: остаточная древесина, обычная железная проволока. Сейчас для основы построения кукол используют буковую или еловую древесину. Выбранная древесина распиливается на заготовки: голова ( впоследствии покрывается глиной), бюст, ноги и ступни; предплечья и руки (правая с закрытым кулаком, чтобы вложить в неё меч, левая — с открытым для закрепления щита). Затем эти части скрепляются вместе при помощи поволоки из мельхиора или латуни. Когда кукла собрана в единое целое ей создают индивидуальный образ персонажа, раскрашивая лицо, руки и ноги. Деревянный корпус куклы иногда покрывается соломой, поддерживаемой джутовой тканью, что придает округлость тела и объем. Следующий этап работы заключается в подборе костюма для персонажа. Для этого они обшиваются самыми лучшими материалами. Выбор модели не является случайным: он не принадлежит к замыслу мастера, а воспроизводит точную копию исторического канона, индивидуально для конкретного персонажа. Наряд марионетки обязательно дополняется настоящими металлическими доспехами, также воспроизведенными с исторической точностью оружейного ремесла того времени. Латы, вооружение, рисунки на доспехах, щит с собственным гербом —  все абсолютно такое же, как у средневековых рыцарей. Так создаётся марионетка, представляющая конкретного рыцаря, порой почти в рост человека, с присущей ей абсолютной достоверностью, узнаваемая зрителем по плащу и доспехам. В 2008 году сицилийский театр марионеток, известный как Опера деи Пупи, был внесен в список ЮНЕСКО как «Шедевр устного и нематериального наследия человечества». Впервые подобного признания удостоен не монумент или историческое место, а традиционное выражение популярной культуры. Очарование Оперы деи Пупи — наследие, уходящее своими корнями на остров Сицилия, но принадлежащее любому, кто любит повествования незатейливых историй и красоту традиционного искусства создания марионеток . В нескольких городах острова открыты музеи, посвящённые этому виду искусства: «Il Museo internazionale delle marionette Antonio Pasqualino» в Палермо, с  собранием богатейшей коллекции сицилийских пупи, марионеток и буратино со всего мира; «Museo Aretuseo dei pupi» в городе Сиракузы — первый в Италии монотематический музей, посвященный сказочному миру марионеток с коллекцией периода ХVII — XIX веков; «Museo Teatro Stabile Dei Pupi Siciliani» в городе Кальтаджироне, основанный в 1918 году с коллекцией более 120 древних сицилийских кукол, старинных плакатов, доспехов, костюмов; «Museo del patrimonio culturale a Randazzo» в городе Катания, где представлена коллекция из 39 старинных марионеток высокой исторической и художественной ценности, работы местной школы.          

Ремёсла Италии: Ткацкое искусство Дамаски из Лорсика

Ткачество — одно из самых древних и почитаемых ремёсел за все время существования человечества. В Италии первыми производителями шёлковых тканей были Венеция и Генуя, которые, как морские республики, имели контакты с одним из важнейших экспортеров шёлка городом Дамаск в Сирии, от чего и сохранилось названия полотна. В регионе Лигурия (Liguria), провинция Генуя (Genova), в глубине побережья Портофино (Portofino Coast), в долине Фонтанабуона (Fontanabuonа) уютно расположился Лорсика (Lorsica) — борго (маленький аутентичный городок), где еще культивируется древнее искусство ткачества дамасского шёлка. Истоки ремёсла в Лорсике прослеживаются с XV века, когда текстильной гильдией города Генуя были наложены производственные ограничения, и мастера ушли искать работу на соседних территориях. В то время в Лорсике уже владели знаниями по шёлкопрядению и практически все семьи имели собственный ткацкий станок. Ткачеством, в первую очередь, занимались женщины, так как работа являлась очень кропотливой и требовала особого навыка. Первое упоминание о массовом производстве дамасских и шелковистых тканей в Лорсике встречается в документах Государственного архива, датированных 1675 годом. Лорсика известен на весь мир плетением драгоценных штофов (нем. Stoff, буквально ≈ ткань, декоративная с комбинированным переплетением и со сложным крупным тканым рисунком). Учитывая дороговизну натурального шёлка, а также трудоёмкость ручной работы, эта ткань являлась поистине драгоценной и ценилась буквально на весь золота. Она использовалась при декодировании в церквях, убранствах дворцов королей и домов богатых буржуа. На счёту лорсиканских ткачей имеется немало подлинных шедевров этого вида искусства. С XIX века производство стало осуществятся с использованием жаккардовых ткацких станков, что значительно сократило время исполнения и, следовательно, затраты. Дамаски из Лорсики ценятся во всем мире за яркость и стойкость красок, совершенство рисунка и, наконец, за качество ткани, выполненной с эффектом матового глянца. На самом деле у полотна нет правой и левой стороны, но, как правило, лицевой считается та, где рисунок более выпуклый и блестящий. Непревзойденной классикой шёлковых дамасков из Лорсики являются полотна с симметричным растительным рисунком пальмы, розы, граната, георгина, петрушки; элегантной наполеоновской пчелой и утончённым стилем Людовика XVI. Сейчас в Лорсике осталась только одна мастерская, занимающаяся этим уникальным искусством — мануфактура Сыновья Де Мартини Джузеппе (Figli Di De Martini Giuseppe). Из поколения в поколение, начиная с 500-х годов, сегодня, как и тогда, дамаски производятся на старинных ткацких станках, разработанных той же семьей Де Мартини. Полотно в основном используется для обивки мебели. Почти вся работа, как и прежде, мастером выполняется вручную. Это трудная работа, требующая терпения, умения, упорства, фундаментальных навыков, и, как очевидно, большой ловкости, но окончательный результат, во всех отношениях, является произведением искусства. Производство «Figli di Demartini Giuseppe» может похвастаться собранием более чем 300 перфорированных карт для нанесения на ткань эксклюзивных рисунков, которые семья трепетно сохраняет на протяжении веков. Сегодня на «новом» (1943) станке с 12-метровой рамкой появилась возможность производить до 6 метров ткани в день и, несомненно, её можно назвать «ювелирным изделием» в ткацком искусстве Италии. Лучшие бренды, сотрудничающие с компанией, знают это и терпеливо ждут выполнения своего заказа. Несмотря на любовь и большое уважение к прошлому, новое поколение ткачей экспериментирует с другими тканями, такими как кашемир, хлопок, лён, дикий шелк (чесуча или шантунг), из которых производят штофы, лампасо и макраме, типичные для территории Лигурии, а также полотна для штор, пледов, шарфов, одежды и различных аксессуаров. Продукция компании защищена товарным знаком «Artigiani In Liguria», что гарантирует оригинальность и использование только натуральных видов пряжи. Чтобы рассказать об очаровании и истории уникального текстильного искусства в Лорсике, в 2007 году был основан «Музей Дамаска и истории территории» (Museo del Damasco e della storia del territorio) — культурный центр, расположенный в старинном здании в центре города, где можно узнать о происхождении и эволюции плетения дамаска, а также насладится обширной коллекцией тканей и древних артефактов.   Дамаск из Лорсики классических расцветок с наполеоновской пчелой  

Ремёсла Италии: Ювелирное искусство филиграни на Сардинии

Ювелирное искусство филиграни на Сардинии (Filigrana sarda)   В переплетении тончайших драгоценных нитей рождается знаменитая «филиграна сарда» ((итал. filigrana, из лат. filum «нить» + granum «зерно») –  ювелирная техника, использующая ажурный узор из тонкой золотой, серебряной проволоки. Возникновение филигранной техники при работе с драгоценными металлами на территории Италии относится к концу VIII века до нашей эры и неразрывно связано с этрусскими ювелирами. Во II веке до нашей эры искусство работы в филиграни было распространено по всей территории Римской империи, включая остров Сардиния и считалось одним из самых известных, на ровне с выдающимися ювелирными мастерскими в Агридженто, Флоренции, Генуе, Турине, Венеции, Виченце, Ареццо и Неаполе. Свидетельством того, насколько широко были распространены такие работы, служат найденные в гробницах многочисленные артефакты в виде ожерелий, браслетов, брошей  и украшений для укладки волос. Ювелирное искусство на острове Сардиния развивалось под влиянием тосканских и каталанских школ мастерства. Среди первых и наиболее важных центров обработки золота на Сардинии были города: Кальяри, Иглесиас и Сассари. В разных районах острова ювелирное мастерство имело собственные традиции и направления, но всегда общую историю, насыщенную красивыми легендами.   В эпоху Возрождения филигранные украшения были привилегией аристократических классов, но в силу их божественной значимости, к концу XVIII века они становятся излюбленным украшением женского и мужского платья, особенно праздничного. Традиция украшать костюмы коническими подвесками из серебряной филиграни, напоминающими форму материнской груди, символизировала благополучие и плодородие. Характерными амулетами острова Сардинии являются s’ispuligadentes – серебряные кулоны различной формы (с зооморфным изображением лошадей, собак, голубей, насекомых, хищных птиц, единорогов, драконов; антропоморфных – рыцарей, иногда в паре с женской фигурой), заканчивающиеся удлиненными концами, один из которых предназначался для очистки зубов и ногтей, а другой, в виде маленькой ложечки, для чистки ушей. Для их изготовления нужна особая изощрённость в мастерстве ювелира, не требуемая для большинства других амулетов. Хотя теперь их основная практическая функция утрачена, «испулигаденты» остаются неотделимым атрибутом национального костюма Сардинии. Среди многочисленных ювелирных изделий немалую роль занимают амулеты в виде заколок со вставками из различных типов материалов, таких как обсидиан, коралл, белый мрамор, клык дикого кабана, жемчуг, используемые для застёжек или заколок некоторых частей традиционных костюмов, таких как шали или фартуки. На Сардинии искренне верят, что они защищают от зависти, так как принимают на себя отрицательное влияние людей, нейтрализуя его. Особого внимания в филигранном искусстве Сардинии заслуживает «Fede sarda» (итал. fede – «доверие, лояльность») – старинное ювелирное украшение ручной работы в виде кольца, иногда со вставками из кораллов, драгоценных и полудрагоценных камней.   Чтобы понять мотив такого интереса, достаточно разглядеть его поближе и восхититься тщательностью мастерства филиграни.  «Феде сарда» изготавливают из тончайших перекрученных между собой золотых или серебряных нитей в четыре ряда, заканчивающихся на верхней поверхности зернью –  шариками с диаметром 0,1 мм, которые напаивают на кольцо, располагая их рядом друг к другу. Изготовление можно разделить на пять фаз: литье металлов, прокат тонкой пластины, волочение для получения проволоки, филигранная работа с обжигом зерни, полировка.   Традиционно кольцо не закрыто, оно остается открытым со стороны пальца, обращенной к ладони. Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Происхождение «феде сарда» очень древнее, и, как полагают, символизирует прорастание пшеницы и служит знаком процветания, взаимопонимания и любви в паре, неразрывно связывая с землёй и продолжением рода.     Изделие, которые имеет большое значение в традиции острова: по этой причине их надевают в самых важных случаях жизни, передавая от матери к дочери из поколения в поколение. Передача кольца обычно приурочена к помолвке или к рождению первенца. Даже выбор левого безымянного пальца не является случайным: согласно преданию, в этом месте руки проходит вена (la vena amoris), несущая кровь непосредственно к сердцу. «Феде сарда» распространена за пределами острова и представляет собой национальный   охраняемый культурный объект. Последние годы экономического кризиса объем данного ремёсла резко сократился, но благодаря золотых дел мастерам, до сих пор работающим целиком и полностью вручную, удается сохранить древнейшее искусство. Изготовить что-либо своими руками всегда очень сложно и трудоёмко, но конечный результат при этом гарантированно будет уникален и неповторим, и если это правда, что красота заключается в деталях, то определённо правда также и то, что украшения, производимые в мастерских острова Сардиния, являются образцами классической красоты. Благодаря таланту и высокой степени профессионализма мастеров Сардинии, ежедневно вносящих свой вклад в развитие ремесла, создаются уникальные ювелирные изделия, придающие Италии особый драгоценный блеск. В секторе производства изделий из драгоценных металлов Италия удерживает мировое лидерство.     Полюбоваться лучшими ювелирными работами в технике «филиграна сарда» и познакомится с традицией национального костюма острова, можно посетив Музей сардинских украшений и костюмов (Museo del gioiello e del costume sardo), расположенный в дворце Бойль в городке Милисе (Milis). Постоянная бесплатная экспозиция наглядно демонстрирует развитие ювелирного искусства Сардинии, в сочетании с эволюцией традиционной сардинской одежды на протяжении более двухсотлетней истории.   Фрагмент традиционного платья с серебряным амулетом из ракушек и кораллов     

Выставка шедевров XIII и XIV вв. школы Джотто с верфей Сполето и Апеннины

Выставка шедевров XIII и XIV вв. школы Джотто с верфей Сполето и Апеннины (Capolavori del Trecento. Dal cantiere di Giotto alla scuola di Spoleto e l’Appennino)   С 24 июня по 4 ноября 2018 года на четырёх выставочных площадках региона Умбрии:(Музейный комплекс Сан-Франческо в городе Треви; Базилика Сан-Эуфемия в Сполето и Национальный музей Герцогства в Рокка-Альборнос Сполето; Музейный комплекс Сан-Франческо в городе Монтефалько) проходит уникальная выставка, представляющая более 60 важнейших работ с верфей величайшего мастера периода конца XIII и XIV вв. Джотто ди Бондоне. Место для проведения выставки выбрано не случайно. Регион Умбрия в данный период времени являлся политическим, религиозным, социальным и художественным центром, что привлекало для работы множество лучших мастеров, оставивших большое количество ценнейших свидетельств. Выставка даёт возможность полюбоваться шедеврами живописи четырнадцатого века, такими как «Dittico Cini», представленного Фондом Джорджо Чини в Венеции и «Dittico Poldi Pezzoli» из Музея Польди Пеццоли в Милане произведения маэстро Croce di Trevi; «Dittico reliquiario» из Музея Виктории и Альберта в Лондоне; Триптиха «Incoronazione della Vergine» из Музея Marmottan Monet в Париже свидетельство работы маэстро из Цези; «Madonna di Fossa» из Национального музея Абруццо в Аквиле; Триптих «Bohler» работы маэстро из Фосса из коллекции Аланы Newark (США); «Истории Святых Biagio и Caterina» маэстро из Цези и «Истории страсти Христова» работы маэстро из Фосса, предоставленной  Папской резиденцией Ватикана.

Ремёсла Италии: Искусство плетения «морского шёлка» с острова Сант-Антиоко

Искусство плетения «морского шёлка» с острова Сант-Антиоко, Регион Сардиния      Древнейшее искусство ткачества волокна, получаемого из тонких и прозрачных волокон, секретируемых моллюсками, берет своё начало в ассиро-вавилонской цивилизации и было хорошо известно египтянам, евреям, финикийцам, грекам и римлянам. На протяжении веков одежда, выполненная из этого волокна, являлась символом высочайшего статуса: носили её только фараоны, римские императоры, короли, первосвященники, цари. Предание гласит, что такие легендарные артефакты, как золотое Руно Ясона, одежды царя Соломона были сплетены из «морского шёлка» , но со временем ремесло древнего ткачества было полностью утрачено. На небольшом острове Сант-Антиоко ( S.Antioco), находящемся на юге от Сардинии (Sardegna) расположился маленький городок Каласетта (Calasetta), с населением менее 3 тыс. человек, знаменитый на весь мир тем, что только в нём сохранилось мастерство плетения «морского шёлка». Здесь живёт и работает последняя хранительница древнейшего искусства. Кьяра Виго (Chiara Vigo) единственная в мире производительница текстиля животного происхождения, называемого виссоном (морской шёлк). Материал получают из натуральной слизи, выделяемой моллюсками «Пина Нобилес» (La Pinna Nobilis), которое при контакте с водой формируется в волокна — биссус, необходимые им для закрепления с морским дном. Этот вид является самым большим двустворчатым моллюском, обитающим в Средиземное море (45-60 см) и находится под защитой государства из-за угрозы исчезновения. Кьяра Виго создала специальный метод, позволяющий собирать биссус, не нанося вред существу. Дар и умение мастерства Кьяре Виго достался по наследству от бабушки, именно она, научила её крутить нить в пять лет и ткать к двенадцати. Всю свою жизнь Крьяра посвятила этому нелёгкому мастерству. Добыть биссус очень сложно, ведь моллюски обитают на глубине 13 — 15 метров и сбор сырья может быть произведён только в определенный период. За 100 погружений удаётся собрать до 300 граммов сырого материала, что составит всего 30 граммам чистого волокна, пригодного для производства примерно 20 метров нити. Кьяра Виго досконально знает процесс изготовления этого прекрасного и аристократического волокна, требующего многоэтапной обработки. Сначала весь собранный материал высушивается, очищается от мусора, тщательно прочёсывается специальным гребнем несколько раз; потом биссус оставляют в пресной воде в течение 25 дней, которая меняется каждые 3 часа, после чего волокно обретает янтарно-золотистый цвет; затем нити вымачиваются в лимонном соке, что позволяет им обесцветиться. На заключительном этапе нити переносятся в секретную смесь из 15 водорослей, что делает их мягкими, эластичными, но очень прочными. Кьяра Виго обладает также уникальной технологией окрашивания нитей «морского шелка». Она способна воспроизвести 124 цветовых оттенка, применяя только натуральные ингредиенты: экстракт из листьев, корней, ягод, кожуры лука, цитрусовых… Когда пряжа готова, Кьяра приступает к работе, используя старинный ткацкий станок, доставшиеся ей от бабушки, вплетая в каждое новое творение не только нить «морского шелка», но и душу, семейные секреты и молитвы. Для базы в своих работах мастер использует натуральные материалы такие, как хлопок, лён и следует античным традициям. Главные персонажи на её полотнах — львы, птицы, павлины. На создание одного произведения размером 7 x 28 см у мастера ушло около семи лет! На сегодняшний день «морской шелк» является самым редким и ценным материалом в мире текстиля. Кьяра пока не решила кому передаст свои знания. Она говорит, что неважно, будет ли это её дочь или один из учеников. Главное, чтобы приемник имел истинную страсть к продолжению её мастерства для будущих поколений. Являясь кандидатом в список нематериального наследия человечества ЮНЕСКО, волшебница шёлковой нити дарит свои работы в различные музеи мира (Лувр, Британский Музей, Национальный Музей в Вашингтоне), и выставляет их на многочисленных экологических выставках, где непременно получает награды, призы и восхищение посетителей. Возможно, Кьяра Виго подарит одну из своих работ в музей России. Речь идёт о репродукции иконы Владимирской Богоматери, которую мастер вышивает биссусовой нитью. С 2005 года в городе Каласетта открыт музей «Museo del Bisso», где можно не только увидеть уникальные произведения мастера, но и вооружившись терпением понять, что это непросто профессия, а истинное искусство, наполненное теплом южного солнца и запахом моря Италии.

Фестиваль итальянской песни в Сан-Ремо 2018

Фестиваль итальянской песни в Сан-Ремо 2018. (Festival della canzone italiana)   68º Фестиваль итальянской песни пройдёт в Театре «Аристон» в городе Сан-Ремо с 6 по 10 февраля 2018 года. Возглавит его Клаудио Баглиони (Claudio Baglioni — итальянский певец-песенник, телеведущий, который также является художественным руководителем фестиваля). Соведущими выступят Мишель Хунцикер (Michelle Hunziker — телеведущая, актриса, модель и певица) и Пьерфранческо Фавино ( Pierfrancesco Favino — популярный итальянский актёр). Как и в предыдущие годы, «Sanremo» пройдет в двух категориях: в первой категории «Чемпионы» (Campioni) представлены 20 претендентов — это уже состоявшиеся артисты, давно завоевавшие себе имя и ранее, в различные годы, уже выступавшие на сцене фестиваля; 8 участников представлены в категории «Новые предложения» (Nuove proposte) — это молодые исполнители, которым только предстоит заявить о себе «в полный голос». Гостями «Sanremo» 2018 будут Sting, Gianni Morandi, Laura Pausini, James Taylor, Negramaro  Gianna Nannini, Fiorello и многие другие. Победители в обеих категориях будут отобраны путем смешанного голосования телезрителей, жюри из представителей прессы и экспертного жюри фестиваля. Победителю в категории «Campioni» будет предоставлена возможность представить Италию на предстоящем конкурсе «Евровидение» 2018, который пройдёт в столице Португалии в городе Лиссабоне.

Русские сезоны в Италии 2018 года

После большого успеха «Русских сезонов», проведённых в Японии в 2017 году и собравших более 3,5 млн. зрителей, этот новый масштабный фестиваль российской культуры, в 2018 году будет проходить в Италии. Проект, позаимствовавший своё название у исторически знаменитых сезонов Дягилева, стартовал в Риме 11 января фестивалем музыки П.И.Чайковского, приуроченного к 125-летию со дня смерти композитора, оперой «Иоланта» в исполнении артистов Государственного академического Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева при участии оркестра и хора Национальной академии Святой Цецилии (Accademia Nazionale di Santa Cecilia). «Русские сезоны» – фестиваль российской культуры, в рамках которого на протяжении года в Италии будут презентованы главные культурные достижения России. Запланированы крупные выставки из коллекции национальных музеев, экспозиции современного искусства, гала-концерты с участием российских коллективов и артистов, кинопоказы, а также другие мероприятия, направленные на развитие культурного двустороннего диалога между Россией и Италией. Так, в рамках «Русских сезонов» в 40 городах Италии будет проведено более 255 мероприятий, среди которых выставки Третьяковской галереи, Петергофа, Государственного Эрмитажа, Государственного научно-исследовательского музея архитектуры им. А. В. Щусева и других  крупных музеев (35); гастроли ведущих российских театров: Российского государственного академического театра драмы им. А. С. Пушкина (Александринский), Академического театра им. Е. Вахтангова и др.(54); концерты классической музыки (58), балетные спектакли лучших российских театров — Государственного академического Большого театра России, Государственного академического Мариинского и др.(43), а также фотовыставки о современной России и проекты киноискусства (30), концерты фольклорного творчества и презентации народных промыслов (25), цирковые и арт фестивали(10). Организаторы проекта планируют включить в программу ледовое шоу Ильи Авербуха, которое может стать «ярким событием для итальянской публики». Торжественная церемония открытия «Русских сезонов» прошла в Национальной академии Святой Цецилии в Риме 14 января. В ответ Италия имеет намерения организовать в 2019 году культурные мероприятия, аналогичные «Русским сезонам», на всей территории Российской Федерации.

Ремёсла Италии: Искусство Рождественского вертепа из Неаполя

Презепе (presepio) по-русски вертеп — изображение сцены Рождества Христова. Создание вертепов в Италии имеет многовековую традицию. Первое упоминание о них в Неаполе исходит к 1021 году, о чем имеется нотариальный акт записи о церкви Santa Maria «ad praesepe». В XV веке появляются вертепы, созданные из скульптурных фигур. Среди них следует отметить, в частности, работу неаполитанских мастеров Джованни и Пьетро Алеманно (Giovanni & Pietro Alemanno), что в 1470 году создали персонажи, выполненные из дерева в натуральную величину, представляющие сцену Рождества Христова. Золотой период искусства создания вертепов наступает в Неаполе в XVIII веке, благодаря покровительству короля Неаполя и Сицилии Карла III Бурбона и его супруги Марии Амалии. Во времена его правления мастерство вертепов достигло всего великолепия стиля «барокко» и переросло в ремесло. Появились мастера, изготовляющие фигурки, которым придавалась максимальная схожесть с реальными персонажами: тело конструировалось из проводов и обматывалось коноплей, лица и конечности – из натуральной обожженной глины (терракоты), воска или дерева; художники, которые их расписывали, а также портные, шившие одежду из знаменитого шёлка San Leucio, обогащая её отделкой из вышивки, бантами, шевронами, ленточками из золота или серебра, с украшениями из натуральных камней. Композиция традиционного вертепа состоит из двух частей: базы – места расположения и, непосредственно, самой сцены рождения Христа, воплощенной в миниатюрных фигурках. Именно поэтому, существуют два различных вида работ при создании произведения: подготовка места и заполнение его персонажами и, зачастую, эти работы выполняются разными мастерами, работающими совместно. Первоначально место вертепа исполнялось в виде грота, с использованием только натуральных материалов (кора дерева, камни, мох). Чтобы сценки рождественского вертепа стали ближе и понятнее простым людям, действие перенесли в более привычные для них условия. Так, база для вертепа из грота переместилась на улицу города. Натуральные материалы были дополнены современными технологиями. Для воспроизведения стен начали использовать полистирол, из гипса формировать наличное оформление и мелкие детали. На замену дорогостоящим материалам пришли более дешёвые: папье-маше, проволока, обмотанная паклей и скрытой одеждами разнообразного покроя, — только головы и конечности попрежнему выполняются из дерева или глины. Теперь они расписываются маслеными, а зачастую, акриловыми красками. При создании вертепа уделяется особое внимание к наибольшему приближению миниатюры к реальности. В ход идут материалы, казалось бы, совершенно неприемлемые в искусстве, но в создании вертепа, просто необходимые (например, для изготовления дверных ручек используются металлические крючки от старых ботинок!). По мере распространения искусства вертепа в массы в сцены с традиционными библейскими персонажами добавились знакомые всем фигурки крестьян, рыбаков, пекарей, столяров, прачек, посетителей таверн. Создаются вертепы больших размеров с количеством персонажей доходящим до сотни и совсем миниатюрные, умещающиеся в светильниках, старых лампочках, в раковинах мидий. Главной технической новинкой таких фигурок стали подвижные соединения частей тела. Используя поворотные и сгибающиеся элементы и меняя таким образом позы персонажей, переодевая их в разные одежды, появилась возможность создавать бесконечное число жанровых мизансцен. В современных вертепах часто используется электричество от аккумуляторных батареек. Освещенные светом окна, фонтаны, со струящейся из них водой и двигающиеся персонажи предают вертепу больше жизненной достоверности, что приводит публику в восхищение! В настоящее время в Неаполе, творчество создания пресепи объединяет почти четыре сотни мастеров. Помимо многочисленных мастерских, работающих для массового производства, сохранились те, где по-прежнему применяют старинную технику создания вертепов XVIII века. Традиция жива благодаря ремесленным семьям, в которых мастерство передаётся из поколения в поколение, где по сей день следуют технологии предков, применяя идентичные тому времени материалы и инструменты. Enzo Capuano, Marco Ferrigno, Salvatore Gambardella, Giuseppe Ercolano, Genny Di Virgilio, Salvatore Anastasio — вот некоторые из тех немногих, кто по-прежнему принадлежат к семьям основателей стиля «Terracotta Napoletana» 800-х годов, которых еще называют «пастырями», строго следующим традициям древнего искусства ручной работы — создания неаполитанского вертепа, вкладывая живую душу в каждую статуэтку. В начале девяностых годов для популяризации неаполитанского искусства была создана «Итальянская Ассоциации друзей вертепов» (Associazione Italiana Amici del Presepio), которая с огромным успехом проводит выставки по всему миру. В Неаполе, в Национальном музее Сан-Мартино можно поистине насладиться лучшими образцами искусства неаполитанского вертепа, собранных из частных коллекций, подаренных музею итальянской общественностью. Жемчужиной экспозиции является произведение инсценировки божественного чуда из церкви San Giovanni a Carbonara, скульпторов Pietro & Giovanni Alamanno (дар Michele Cuciniello в 1879 г.), состоящая из 800 предметов: 160 персонажей, 80 животных, 28 ангелов и множеством миниатюрных объектов. Традиция создания неаполитанского вертепа, являясь настоящим произведением искусства, распространилась далеко за пределы Италии и стала одним из главных рождественских ритуалов католического мира.  

Выставка «РЕВОЛЮЦИЯ. От Шагала к Малевичу, от Репина к Кандинскому»

Выставка «РЕВОЛЮЦИЯ: От Шагала к Малевичу, от Репина к Кандинскому». (REVOLUTIJA. Da Chagall a Malevich, da Repin a Kandinsky)   12 декабря 2017 года, в городе Болонья ( Bologna), в Музее современного искусства  – MAMbo открылась выставка, приуроченная столетнему юбилею русской революции. На выставке представлено более 70 картин известных художников: Натана Альтмана, Натальи Гончаровой, Казимира Малевича, Василия Кандинского, Марка Шагала, Валентина Серова, Александра Родченко и многих других, свидетельствующих о новаторстве культурных течений в России в начале XX века: от примитивизма к кубофутуризму, от супрематизма к конструктивизму. Кроме того, в экспозицию включены исторические фотографии, кинозаписи, сценические костюмы. Главной целью выставки является представить основные события российской истории первой трети ХХ века глазами художников с диаметрально противоположным взглядом, а также привлечь внимание к произведениям русских мастеров, которые остались немного в тени, таких как Репин, Петров-Водкин, Кустодиев. Экспонаты для выставки представил Государственный Русский музей города Санкт- Петербурга. Выставка продлится до 13 мая 2018 года.